martes, 31 de julio de 2007

Ha muerto Michelangelo Antonioni (1912-2007)


Tras la muerte ayer de Ingmar Bergman, horas después fallecía el director de cine italiano Michelangelo Antonioni. El cine ha perdido 2 grandes genios en 1 día.


Vida

Michelangelo Antonioni (29 de septiembre de 1912, Ferrara, Italia; 30 de julio de 2007, Roma) es un cineasta, escritor y pintor italiano.

Se graduó en economía por la Universidad de Bolonia, llegó a Roma en 1942 donde cursó estudios en el Centro Sperimentale di Cinematografia de Cinecittà. Allí conoció a algunos de los artistas con los que cooperó en los años siguientes; entre ellos Roberto Rossellini "padre" de la escuela del Neorrealismo italiano.

Politicamente se describió a sí mismo como anti-fascista asi como "marxista intelectual", pero algunos autores dudan sobre su seguimiento a esta ideología. En contraste con su contemporáneo Federico Fellini, cuyas primeras obras giran en torno a la vida de las clases obreras y los inadaptados sociales, las películas más representativas de Antonioni se basan en las élites y burguesías urbanas y en como se relacionan con un entorno que apenas entienden.

Una de las obras más célebres de este cineasta es "Blow-Up, deseo de una mañana de verano", basada en un relato corto de Julio Cortazar, es una película ambientada en el swinging London y basada en la peripecia de un fotógrafo que cree descubrir un asesinato a través de sus fotografías.

Antonioni murió el 30 de julio de 2007 a los 94 años, el mismo día que otro de los grandes cineastas del siglo XX, Ingmar Bergman.



Filmografía

Gente del Po (1943)
Roma-Montevideo (1948)
Oltre l'oblio (1948)
Netezza urbana (1948)
Superstizione (1949)
Sette canne, un vestito (1949)
Ragazze in bianco (1949)
Bomarzo (1949)
L'Amorosa menzogna (1949)
La Villa dei mostri (1950)
La Funivia del faloria (1950)
Crónica de un amor (Cronaca di un amore) (1950)
La señora sin camelias (La Signora senza camelie) (1953)
El vencido (I Vinti) (1953)
L'Amore in città (fragmento "Tentato suicido) (1953)
Las amigas (Le Amiche) (1955)
El grito (Il Grido) (1957)
Bajo el signo de Roma (Nel segno di Roma) (1959)
La aventura (L'Avventura) (1960)
La noche (La Notte) (1961)
El eclipse (L´Eclisse) (1962)
El desierto rojo (Il Deserto rosso) (1964)
Tres perfiles de mujer (I Tre volti) (1965)
Blowup (Deseo de una mañana de verano) (Blowup) (1966)
Zabriskie Point (Zabriskie Point) (1970)
Chung Kuo - Cina (1972)
El reportero (Professione: reporter) (1975)
El misterio de Oberwald (Il Mistero di Oberwald) (1981)
Identificación de una mujer (Identificazione di una donna) (1982)
Kumbha Mela (1989)
12 registi per 12 città (fragmento "Roma) (1989)
Noto, Mandorli, Vulcano, Stromboli, Carnevale (1993)
Más allá de las nubes (Al di là delle nuvole) (1995)
Lo Sguardo di Michelangelo (2004)
Eros (fragmento "Il filo pericoloso delle cose") (2004)


Descanse en paz, señor Antonioni.

"El Decamerón"


Título original: Il Decameron.
Año: 1971.
Nacionalidad: Italia.
Dirección y guión: Pier Paolo Pasolini.
Basado en el libro: "El Decamerón" de Giovanni Boccaccio.
Productor: Alberto Grimaldi.
Música: Ennio Morricone y Pier Paolo Pasolini (No acreditado).
Reparto: Franco Citti (Ciappelletto), Ninetto Davoli (Andreuccio de Perusa), Jovan Jovanovic (Rustico. Escenas eliminadas), Vincenzo Amato (Masetto de Lamporecchio), Angela Luce (Peronella), Giuseppe Zigaina (Monk), Gabriella Frankel, Vincenzo Cristo, Pier Paolo Pasolini (Maestro de Giotto), Giorgio Iovine, Salvatore Bilardo, Vincenzo Ferrigno (Giannello), Luigi Seraponte, Antonio Diddio, Mirella Catanesi, Vincenzo De Luca, Erminio Nazzaro, Giovanni Filidoro, Lino Crispo, Alfredo Sivoli, Guido Alberti (Musciatto, comerciante rico), Giacomo Rizzo, E. Janotta Carrino, Vittorio Vittori (Don Gianni), Gianni Rizzo (Padre superior), Adriana Donnorso,
E. Maria De Juliis, Patrizia De Clara (Monja), Guido Mannari, Michele Di Matteo...


Primera entrega de la "Trilogía de la Vida" de Pasolini, que se completaría con "Los cuentos de Canterbury" y "Las mil y una noches".

Basada en "El Decamerón" de Boccaccio. Pasolini recrea con su brillante estilo los cuentos eróticos y divertidos de esta obra universal. La película empieza con el cuento de Andreuccio de Perusa, que se deja convencer por unos ladrones de expoliar el cadáver de un arzobispo, para quitarle un rubí. Otros cinco de los nueve cuentos están dedicados a temas licenciosos. Por ejemplo el de Masetto da Lamporecchio, un hortelano que se finje sordomudo y mentecato para entrar al servicio de las monjas de un convento y experimentar con ellas las delicias del lecho compartido.


Ahora, haré un análisis del argumento de cada cuento. Si no has visto la película no lo leas.

Un hombre llamado Ciappelletto, asesina a otro tipo, y tira su cadáver por un barranco.
A Andreuccio de Perusa, llegado a Nápoles a comprar caballos, le suceden en una noche tres graves desventuras, y salvándose de todas, se vuelve a casa con un rubí.
Ciappelletto, que está entre una multitud que escucha a un hombre que cuenta un cuento, muy semejante al que viene a continuación. Ciappelletto, empieza a meter las manos en los bolsillos de la gente y sacarles dinero.
Masetto de Lamporecchio se hace el mudo y entra como hortelano en un convento de monjas, que porfían en acostarse con él.

Peronella mete a su amante en una tinaja al volver su marido a casa; la cual habiéndola vendido el marido, ella le dice que la ha vendido ella a uno que está dentro mirando a ver si le parece bien entera; el cual, saliendo fuera, hace que el marido la raspe y luego se la lleve a su casa.
El seor Cepparello engaña a un santo fraile con una falsa confesión y muere después; y habiendo sido un hombre malvado en vida, es, muerto, reputado por santo y llamado San Ciappelletto.
Micer Forense de Rábatta y el maestro de Giotto, pintor, viniendo de Mugello, mutuamente se burlan de su mezquina apariencia. Llegan a la ciudad, con la intención de que el maestro de Giotto pinte un cuadro en una iglesia de unos frailes.
Ricciardo Manardi es hallado por micer Lizio de Valbona con su hija, con la cual se casa, y con su padre queda en paz.
El maestro de Giotto llega tarde a comer con los frailes. Al sentarse a comer, come lo más rápido posible para volver a pintar el cuadro.
Los hermanos de Lisabetta matan a su amante; éste se le aparece en sueños y le muestra dónde está enterrado; ella ocultamente le desentierra la cabeza y le pone en un tiesto de albahaca.
Don Gianni, a instancias de compadre Pietro hace un encantamiento para convertir a su mujer en una yegua; y cuando va a pegarle la cola, compadre Pietro, diciendo que no quería la cola, estropea todo el encantamiento.
El maestro de Giotto continua, junto a sus ayudantes, pintando el cuadro.
Dos sieneses aman a una mujer comadre de uno, muere el compadre y vuelve al compañero según la promesa que le habían hecho, y le cuenta cómo se está en el más allá.
El maestro de Giotto ha finalizado su cuadro, y brinda con sus ayudantes el haber terminado con éxito su trabajo.



A pesar de que los cuentos suceden en este orden, en la primera parte del cuento del maestro de Giotto aparecen los personajes de Lizo de Valbona, su hija y su mujer, y en los cuentos de Don Gianni y en el de los dos amigos y la comadre, aparece también el personaje del maestro de Giotto (interpretado por Pasolini), en el primero aparece mirando hacia Don Gianni y el compadre Pietro, y en el segundo sale en la mitad del cuento, teniendo un sueño en el que aparece la Vírgen, y una especie de Infierno, donde la mayoría de la gente esta desnuda.

Pasolini hizo su guión, escogiendo 9 cuentos de los 100 que compone el libro de Boccaccio. Hizo un guión bastante bueno, y uno de sus mejores trabajos, tanto como guionista como director. En mi opinión, esta es la mejor de las 3 películas que compone "La trilogía de la vida" de Pasolini.
La ambientación de la película es muy buena, recrea estupendamente la época en la que se basan los cuentos.
La película, en su época, fue calificada de pornográfica. Una salvajada eso, ya que es más bien erótica, y un tipo de película erótica diferente, ya que, en esta y en las otras 2 de esta trilogía, los desnudos y el sexo son presentados de una forma más natural, que no va con intención de que el espectador se excite, sino que te lo muestran como algo normal. Son personajes muy reales, y como a la gente real les gusta el sexo, por lo que Pasolini (fielmente al libro) te lo muestra de forma que se pueda ver tranquilamente.
Una escena que destacaría, es en la que el maestro de Giotto (interpretado por Pasolini), va a comer con los frailes, cuando estos van a hacer la señal de la cruz antes de comer, Pasolini se lleva la mano también a la cabeza, como si fuera a hacer la señal, pero en realidad solo va a rascarse la cabeza, un símbolo del ateismo de Pasolini.

El reparto de esta película fue encabezado por actores Pasolinianos (como Franco Citti, Ninetto Davoli, Silvana Mangano y Vittorio Vittori) por algunos (pocos) actores que ya habían trabajado en más películas (como Gianni Rizzo, actor de spaghetti westerns), y los demás eran actores no-actores.
Los actores fueron escogidos por Pasolini y por Ninetto Davoli, de la forma más curiosa. Cuando Pasolini y Davoli, veian por la calle alguna cara que les pareciera que pudiera ser un actor para la película, Davoli se le acercaba para preguntarle por ejemplo que como se iba a tal sitio. Pasolini se quedaba detrás, haciendo una especie de objetivos con los dedos (mirar foto de abajo), y mirando como gesticulaba el sujeto, y miraba si quedaría bien. Si le gustaba, Pasolini se acercaba y le decían lo que querían decirle, si no le gustaba pues Davoli terminaba su función y se acabó.
Los actores que cogieron estaban elegidos a la perfección. Todos ellos con un aspecto muy italiano y de aquella época. Aunque la gran mayoría tipos muy muy feos, por lo que seguramente la elección de los actores tuvo que ser algo complicada, para coger al montón de actores que hay en la película.

La música fue compuesta por Ennio Morricone y Pier Paolo Pasolini. La música de los créditos me parece muy de la época (cuando la vi la primera vez, identificaba esa música con los mercados de la época en la que suceden los cuentos), muy ingeniosa y muy graciosa. El resto de las músicas también están muy bien, como la que suena durante el cuento de Ricciardo y Caterina.

En fin, una película de lo mejorcito de Pasolini, y de lo mejorcito del cine italiano. Mi puntuación: 9.

lunes, 30 de julio de 2007

"Hoffa (Un pulso al poder)"


Título original: Hoffa.
Año: 1992.
Nacionalidad: Estados Unidos.
Director: Danny DeVito.
Productores: Edward R. Pressman, Danny DeVito y Caldecot Chubb.
Guión: David Mamet.
Música: David Newman.
Reparto: Jack Nicholson (James R. Hoffa), Danny DeVito (Bobby Ciaro), Armand Assante (Carol D´Alessandro), J.T. Walsh (Fitzsimmons), John C. Reilly (Pete Connelly), Kevin Anderson (Robert Kennedy), John P. Ryan (Red Bennett), Frank Whaley (Chico joven), Natalia Nogulich (Jo Hoffa), Nicholas Pryor (Abogado de Hoffa),
Cliff Gorman (Solly Stein), Paul Guilfoyle (Ted Harmon), Karen Young (Mujer joven en la RTA) y Robert Prosky (Billy Flynn).


Hoy, en consecuencia del 32 aniversario de la desaparición de Jimmy Hoffa, he vuelto a ver la película sobre su vida, en la que Jack Nicholson interpreta a Hoffa.


David Mamet combina, en esta apasionante historia, personajes reales con personajes de ficción, en un intento de representar la vida de Jimmy Hoffa. En esta inolvidable superproducción del director y coprotagonista Danny DeVito, Jack Nicholson encarna a Jimmy Hoffa, el legendario líder del sindicato de transporte cuya misteriosa desaparición nunca llegó a esclarecerse. La película detalla la apasionante lucha de Hoffa por formar el sindicato de trabajadores más influyente de toda la nación, así como su relación con la mafia, su posterior condena y encarcelamiento a manos de Robert Kennedy.

El guión, como he dicho, ha sido escrito por David Mamet. Un guión realmente muy bien elaborado y muy cuidado, para comprender mejor la vida de Jimmy Hoffa. El hecho de introducir también personajes ficticios, no es para hacer falsa la historia, sino para ayudar en la historia, ya que no se puede representar facilmente una vida en 2 horas de película, y de alguna forma hay que mostrarlo, concretamente, Bobby Ciaro, el personaje de Danny DeVito, es uno de esos personajes ficticios, y tiene un peso bastante importante en la historia.
La dirección de DeVito es bastante buena. DeVito en mi opinión es uno de los mejores actores que hay, y, aunque como director tiene pocas, también me gusta bastante.

Los actores están bastante bien. Jack Nicholson hace una interpretación muy buena, y creo que es uno de los actores más parecidos en el físico con Hoffa. Nicholson hizo esta actuación sin cobrar, como favor, debido a su gran amistad con DeVito. Danny DeVito también está muy bien. Realmente, creo que ambos están igual de bien, y los momentos que tienen juntos, la mayoría, son realmente buenos (ambos han trabajado en más películas juntos como "Alguien voló sobre el nido del cuco" de Milos Forman, "La fuerza del cariño" de James L. Brooks y "Mars Attacks!" de Tim Burton).
También en el reparto cabe destacar a muy buenos actores, que aunque no todos ellos tienen papeles muy extensos, tienen muy buenas actuaciones, es el caso de Armand Assante, J.T. Walsh, John C. Reilly, Robert Prosky (uno de los casos de pequeña actuación) y Frank Whaley, mi actor favorito (que a pesar de tener un papel pequeño también, es un personaje bastante curioso el que tiene y lo borda. Los mal pensados que piensen que digo esto porque es mi actor favorito, NO es por eso).
También tienen por ahí cameos Bruno Kirby, y el director Tim Burton, que su cameo es por la amistad que tiene con Nicholson y DeVito; aparece en una escena haciendo de un cadáver en un ataud (realmente, no me sorprende, por lo macabro que es él, jajajaja).

Escenas que destaco (si no has visto la peli no las leas. Dios, como me repito XDDD):

La escena en la que Hoffa y Bobby se conocen.
La escena de la huelga, con el pobre niño ahi en medio.
La escena de la explosión del coche, en la que intentan matar a Fitzsimmons.
La escena final, en la que el bueno de Frank Whaley, personaje que nos presentan muy inocente, de repente Bobby le lleva hacia Hoffa, y Whaley saca la pistola y les mata a los 2. Seguida de los camiones que cogen los cadáveres y el coche de Hoffa, lo meten en sus camiones, dando lugar a esa misteriosa desaparición que aún hoy sigue siendo un misterio. Cuando vi esta escena la primera vez, empezé a pegar botes por el sofá jajaja, mezcla de la sorpresa y la intriga.

En fin, una película que, aunque en unas pequeñas ocasiones se hace algo lenta, es un buen thriller y una buena película biográfica.
Mi puntuación: 8.

Ha muerto Ingmar Bergman (1918-2007)


Hoy, 30 de julio de 2007, ha fallecido el gran director sueco Ingmar Bergman, a la edad de 89 años, en su casa en Fårö.


Biografía

Ernst Ingmar Bergman nació en Upsala como segundo hijo de un pastor protestante puritano. Esto influyó tanto en su niñez como en su adolescencia, debido a los valores asimilados: el mundo metafísico de la religión, los sentimientos de culpa, pecado y redención. Sin embargo, progresivamente el joven Bergman encontró la forma de encauzar sus propios sentimientos y creencias independizándose cada vez más de los valores paternos a fin de buscar su propia identidad espiritual.

A partir de los trece años estudió bachillerato en una escuela privada de Estocolmo, para luego licenciarse en Letras e Historia del Arte en la Universidad. Durante los años de la Segunda Guerra Mundial, ya distanciado de su familia, inició su carrera como ayudante de dirección en el Teatro de la Ópera Real de Estocolmo. Afortunadamente encontró en el teatro, y luego en el cine, los dos medios más apropiados para expresar su complejo mundo interior y su potencial creativo. No obstante, las imágenes y valores de su niñez que lo seguirían por el resto de su vida y la proximidad con el quehacer de su padre, lo habían sumergido en las cuestiones metafísicas: Dios, el Demonio, la muerte, la vida, el dolor y el amor.

El director falleció el 30 de Julio de 2007 a los 89 años en la isla de Fårö, a la que se había retirado.


Estilo

Dos dramaturgos: Henrik Ibsen y, sobre todo, August Strindberg, le influenciaron e introdujeron en un mundo donde se manifestaban los grandes temas que tanto lo atraían, cargados de una atmósfera dramática, agobiante y aun desesperanzada, lo que deja una profunda huella en el espíritu del joven Bergman y una marcada influencia en su obra artística.

Es recurrente el hecho de que en la mayor parte de la filmografía del realizador sueco, sus personajes son atravesados por los mismos caminos en que se internan. Se trata de trayectorias que los reconducen hacia sí mismos, hacia su propia alma, hacia su propia conciencia. Son recorridos íntimos, enigmáticos, que muchas veces se apoderan del espectador transportándolo a una experiencia estrictamente personal e inquietante, en la medida en que los personajes bergmanianos realizan aquella trayectoria sobrecargada por un denso dramatismo, aquél que implica desnudar el alma humana en forma genérica.

Aquella trayectoria termina en algunos casos en la locura o en la muerte, en otros en un estado de gracia, un momento metafísico que permite a sus personajes comprender más de su realidad, una revelación que los iluminará y modificará el curso de sus vidas. En algunos casos les servirá para exorcizar, conjurar y dominar los fantasmas que perturban el alma del personaje.

Los personajes de Bergman arrastran un pesado lastre en sus mentes, en sus corazones. En general son adultos, salvo el caso del niño de El Silencio, (aunque en realidad no es el niño quien tiene el alumbramiento sino Ester, el personaje que interpreta Ingrid Thulin). La inquietud que sienten los personajes es más o menos latente, pero progresivamente irá revelándose ante el espectador produciendo un efecto devastador.

La transmisión de esos estados de conflicto interno de sus personajes originan historias angustiosas y lacerantes, como pocos directores de cine han podido comunicar a su público, y éste es el mayor logro del director sueco.

Dentro de su extensa filmografía podemos distinguir varios periodos, por su temática y por su estética:

* 1946-1950: Aprendizaje
* 1951-1955: Primeras obras maestras
* 1957-1960: Madurez
* 1961-1980: Moderno
* 1982-2007: Fuera de parámetros


Filmografía

Crisis (Kris) (1946)
Llueve sobre nuestro amor (
Det regnar på vår kärlek) (1946)
Barco a la India (Skepp till India land) (1947)
Música en la oscuridad (Musik i mörker) (1948)
Ciudad portuaria (Hamnstad) (1948)
Prisión (Fängelse) (1949)
Tres amores extraños / La sed (Törst) (1949)
Hacia la felicidad (Till glädje) (1950)
Esto no puede ocurrir aquí (S
ånt händer inte här) (1950)
Juegos de verano (Sommarlek) (1951)
Tres mujeres (Kvinnors väntan) (1952)
Un verano con Mónica (Sommaren med Monika) (1953)
Noche de circo (Gycklarnas afton) (1953)
Una lección de amor (En Lektion i kärlek) (1954)
Sueños (Kvinnodröm) (1955)
Sonrisas de una noche de verano (Sommarnattens leende) (1955)
Bakomfilm smultronstället (1957)
El séptimo sello (Det Sjunde inseglet) (1957)
Herr Sleeman kommer (1957) (TV)
Fresas salvajes (Smultronstället) (1957)
Venetianskan (1958) (TV)
En el umbral de la vida (Nära livet) (1958)
Rabies (1958) (TV)
El rostro (Ansiktet) (1958)
Oväder (1960) (TV)
El manantial de la doncella (Jungfrukällan) (1960)
El ojo del Diablo (Djävulens öga) (1960)
Como en un espejo (S
åsom i en spegel) (1961)
Los comulgantes (Nattvardsgästerna) (1962)
Ett Drömspel (1963) (TV)
El silencio (Tystnaden) (1963)
¡Esas mujeres! (För att inte tala om alla dessa kvinnor (1964)
Don Juan (1965) (TV)
Persona (Persona) (1966)
Stimulantia (1967)
La hora del lobo (Vargtimmen) (1968)
La vergüenza (Skammen) (1968)
El rito (Riten) (1969) (TV)
Pasión (En Passion) (1969)
F
årödokument 1969 (1970) (TV)
La carcoma (Beröringen) (1971)
Gritos y susurros (Viskningar och rop) (1972)
Secretos de un matrimonio (Scener ur ett äktenskap) (1973)
Misantropen (1974) (TV)
La flauta mágica (1975) (TV)
Cara a cara, al desnudo (1976)
El huevo de la serpiente (The Serpent's Egg) (1977)
Sonata de otoño (Höstsonaten) (1978)
F
årö-dokument 1979 (1979) (TV)
De la vida de las marionetas (Aus dem Leben der Marionetten (1980)
Fanny y Alexander (Fanny och Alexander) (1982)
Hustruskolan (1983) (TV)
Karins ansikte (1984)
Tras el ensayo (Efter repetitionen) (1984) (TV)
Dokument Fanny och Alexander (1986)
Los escogidos (De Tv
å saliga) (1986) (TV)
La Marquesa de Sade (Markisinnan de Sade) (1992) (TV)
Backanterna (1993) (TV)
The Sista skriket (1995) (TV)
En presencia de un payaso (Larmar och gör sig till) (1997) (TV)
Bildmakarna (2000) (TV)
Saraband (Saraband) (2003) (TV)


Hasta siempre, señor Bergman.

"Medea"


Título original: Medea.
Año: 1969.
Nacionalidad: Italia.
Director: Pier Paolo Pasolini.
Productor: Franco Rossellini y Marina Cicogna.
Música: Pier Paolo Pasolini (No acreditado) y Elsa Morante.
Reparto: Maria Callas (Medea), Massimo Girotti (Rey Creonte), Laurent Terzieff (Centauro), Giuseppe Gentile (Jasón), Margareth Clementi (Glauca), Paul Jabara (Pelias), Gerard Weiss (Segundo centauro), Sergio Tramonti (Apsirto, hermano de Medea), Luigi Barbini (Argonauta), Gianpaolo Duregon, Luigi Masironi, Michelangelo Masironi, Gianni Bradizi, Franco Jacobbi, Annamaria Chio (Cuidadora de mojado), Piera Degli Esposti, Mirella Pamphili y Graziella Chiarcossi (Criada de Glauca).


La última película que me faltaba por ver de Pasolini (que no fuera documental, o que no fuera una película colectiva dirigida con otros varios directores).


Adaptación de la tragedia de Eurípides en la que Pasolini muestra la trágica confrontación entre dos culturas icompatibles: el mundo mágico e irracional de Medea y el mundo racional de Jasón.


El guión de la película fue escrito por Pasolini (mierda, lo he vuelto a decir), basado en la obra clásica de Eurípides. Aunque no se trata de sus mejores trabajos, está bastante bien. La primera mitad se hace algo coñazo, ya que empezamos teniendo como protagonista a Jasón, y sin acostumbrarnos a su cara nos encontramos de repente teniendo como protagonista a Medea, aparte que es un poco lenta y extraña esa primera mitad. La segunda mitad ya se hace más entretenida y normal, por lo que resulta más fácil de ver.
La dirección de Pasolini, vuelve a ser bastante buena, recrea bastante bien la época y la historia.

La película fue protagonizada por la cantante Maria Callas en el papel de Medea y Giuseppe Gentile (en su única película) en el papel de Jasón. Ambos están bastante bien en sus papeles. También destacaría la actuación de Massimo Girotti y de Laurent Terzieff en el papel del centauro, personaje que me gustó bastante. También sale Luigi Barbini, en un papel bastante pequeño (un argonauta) y fue su última película con Pasolini y sin Pasolini.

SPOILER Respecto a lo de los 2 centauros, eso al principio es una paranoia, porque en ocasiones le ves con trasero de caballo y en ocasiones sin él, con lo que yo me he quedao un poco rallado, hasta que no le desvelan a Jasón que eran 2 centauros FIN DEL SPOILER

Escenas que destacaría (si no habeis visto la película ya sabeís, no leer):

Cuando el centauro le cuenta a Jasón su historia, lia un poco, pero mola la escena.
La escena del asesinato de los hijos, es desagradable el acto, pero por suerte no lo muestran.
La escena final de Medea y Jasón.

En fin, una película que, aunque no es tampoco lo mejor de Pasolini, es bastante presentable.
Mi puntuación: 7.

¿Por qué hacemos las cosas?


He aquí una pregunta y reflexión que hace 1 mes le conté a un amiguete por las calles de Mallorca en el viaje de fin de curso.
¿Por qué hacemos las cosas? Las cosas que hacemos las hacemos pensando en el presente momento que estamos viviendo. Por ejemplo, tenemos muchas ganas de ir al cine, y finalmente vamos, pero realmente ¿va a afectar mucho mañana que yo hoy fuera al cine? Afectará a que no querré ya ir hoy, pero en mi mente ya eso habrá desaparecido, como si no hubiera ido ayer al cine. Es un ejemplo. De que nos sirve haber hecho hecho lo que sea o ido a donde fuera, en unas semanas eso será como si no hubiera pasado y habrás olvidado que las hiciste. Esas pequeñas cosas que hacemos no tienen importancia. Realmente hay que preocuparse por hacer las cosas que realmente vayan a dirigir nuestra vida, y lo que nos vaya a hacer felices siempre. Perseguir tus sueños, no los caprichos. Tal vez esos caprichos en el presente que los haces te sirven para divertirte, o entretenerte, o quitarte lo malo que tengas encima en ese momento, pero no afectaran al desarrollo de tu vida.
Deja ya de preocuparte por esas chorradas sin importancia y preocupate de una vez por lo que de verdad importa: lucha por tus sueños e ilusiones. Tus sueños e ilusiones en un futuro también serán olvidados, ya que en un futuro todos nosotros ya no existamos, pero esas cosas, aunque desaparezcan, desaparecerán contigo, y serán las que realmente te habrán hecho feliz. La vida dura 3 putos días, en algunos casos menos, y no está como para preocuparse por pequeñas cosas. Disfruta la vida. Disfruta tu vida.

"Merece la pena luchar por los propios sueños. ¿Por qué pasarse la vida realizando los sueños de otro?" {Vincent D´Onofrio, Ed Wood}

Buenas noches.

"Una gota de sangre para morir amando"

Título alternativo español: La mandarina mecánica.
Título americano: Clockwork Terror.
Título inglés: Murder in a blue world.
Año: 1973.
Director: Eloy de la Iglesia.
Productor: José Frade.
Guión: Eloy de la Iglesia, José Luis Garci, Antonio Fos, Antonio Artero y George Lebourg.
Música: George Garvarent.
Reparto: Sue Lyon (Ana), Christopher Mitchum (David), Jean Sorel (Víctor), Ramón Pons, Charly Bravo (Modelo de la tele), Alfredo Alba, David Carpenter (Drugo amigo de David), Antonio del Real, Ramón Fernández Tejela, Fernando Hilbeck (Marido en la casa invadida), Eduardo Calvo (Sujeto del tratamiento), Fernando Sánchez Polack (Sujeto del tratamiento), Paul Pavel, Manuel Guitián, Jean Degrass, David Areu, María Moreno, Javier de Campos, Antonio Puga, Saturno Cerra, César Godoy, Antonio Gutti, Manuel Barrios, Fernando E. Romero, Sofía Casares, Fabián Conde, Luis Gaspar, Monserrat Julió (Anunciante de televisión) y Ángel Blanco.


Tras recomendaciones de un amigo, y un trato que tuvimos de yo ver esta y él ver la que yo le recomendaba, vi hace 2 semanas, pero comento hoy, "Una gota de sangre para morir amando", del director español Eloy de la Iglesia, un director que me ha llamado bastante la atención.


La ciudad (la ciudad de un futuro próximo) vive aterrorizada. Principalmente la gente joven. Un asesino, un maniaco sexual, está cometiendo atroces crímenes entre jóvenes de 17 a 25 años. El crimen es siempre igual. Una diestra punzada en el corazón. Alguien, una mujer, una atractiva mujer, bajo diferentes disfraces, lográ atraerse la atención de hombres muy jóvenes, adolescentes, y tras hacer el amor con ellos los asesina friamente. ¿Quién es esa mujer?

El guión de esta película fue escrito por 5 personas: Eloy de la Iglesia, José Luis Garci, Antonio Fos, Antonio Artero y George Lebourg. Y creo yo que se les dió la cosa bastante bien.
La dirección de Eloy de la Iglesia, me ha parecido bastante buena, y la verdad que me ha llamado la atención este director. Su estilo me ha recordado en parte al de Pasolini, ambos directores hablan sobre el mundo del subproletariado y el mundo de la calle, con escenas de violencia y sexo.

Los actores, bastantes de ellos han participado en poco más, están bastante bien. Los 2 protagonistas principales, Sue Lyon y Chris Mitchum están bastante destacables. Sue Lyon, muy alejada de la adolescente que volvía loco a Humbert Humbert (James Mason) en "Lolita".
También hay que destacar en el reparto a Jean Sorel (en el papel de Víctor), el que hace de Mick, jefe de la banda de drugos (Dios sabrá que actor es), Fernando Hilbeck (el padre de Quique en "Verano azul", haciendo del padre y marido de la casa asaltada) y Fernando Sánchez Polack (Frasco el camarero en "Verano azul", y aquí un tipo del tratamiento).


La película, sin ningún lugar a dudas, también es un homenaje al gran Stanley Kubrick. La banda de David y sus 3 drugos es claramente un homenaje a la banda de "La naranja mecánica", en ambas son 4 tipos, en ambas van en un coche muy futurista y en ambas los individuos me van con unas pintas muy particulares. La casa y la escena en ella de su primer asalto un homenaje a la escena del asalto en la casa de "La naranja mecánica", es más, en esa misma escena, antes de que asalten la casa, en la tele se ve que van a hechar "La naranja mecánica". El tratamiento de Víctor, para quitar el mal de la persona, es bastante similar también al de "La naranja mecánica" SPOILER y ambos finalmente no servirán para eliminar la violencia FIN DEL SPOILER. En España, también ha sido llamada "La mandarina mecánica", y su título en USA es "Clockwork Terror" (el título original de "La naranja mecánica" es "A Clockwork Orange"). En su programa "Qué grande es el cine", José Luis Garci dijo que no le gustaba "La naranja mecánica", pero sin embargo es uno de los guionistas de este homenaje a ella. Ayyy Garci... La protagonista es Sue Lyon, que hizo el papel de Lolita en la película "Lolita", también dirigida por Kubrick. En una escena, Lyon sale leyendo el libro "Lolita".


La música, compuesta por George Garvarent, es bastante buena.

En fin, una película que aunque no es una obra maestra, merece ser vista. Tendré que ver más cine de Eloy de la Iglesia, ya que me ha llamado bastante la atención.

Mi puntuación: 7,5.

domingo, 29 de julio de 2007

"Pocilga". Nazis, caníbales y cerdos.



Título original: Porcile.
Año: 1969.
Nacionalidad: Italia/Francia.
Director: Pier Paolo Pasolini.
Productor: Gian Vittorio Baldi.
Música: Benedetto Ghiglia.
Reparto: Pierre Clémenti (Caníbal), Jean-Pierre Léaud (Julian Klotz), Alberto Lionello (Señor Klotz), Ugo Tognazzi (Herdhitze), Anne Wiazemsky (Ida), Margarita Lozano (Señora Klotz), Marco Ferreri (Hans Günther), Franco Citti (Segundo caníbal), Ninetto Davoli (Maracchione), Luigi Barbini (Chico en el desierto. No acreditado), Antonio Faa Di Bruno (Hombre anciano en la sentencia. No acreditado), Sergio Elia (Sirviente. No acreditado), Laura Betti (Voz de la Señora Klotz en V.O. No acreditada) y Mario Missiroli (Voz de Hans Günther en V.O. No acreditada).


En esta película acontecen dos historias en un pasado indeterminado, por un lado la historia de Julian, que rechaza casarse con su prometida en protesta por los negocios de su padre con los nazis, y por otro lado, la historia de un caníbal que deambula en busca de humanos para comer.

Sí, otra vez el guión es escrito por Pasolini (no vuelvo a decirlo, que me canso). Uno de sus guiones más interesantes, tanto por sus temas como por su (creo yo que lo tiene) surrealismo (al estilo Lynch, aunque no lo parece. Igual estoy equivocado o igual soy de los que se han dado cuenta, luego comentaré toda esta paranoia).
Realmente, me parece que la historia de los nazis está muy adecuada ponerla junto a una historia de un caníbal, al fin y al cabo, tanto el nazismo como el canibalismo es una salvajada. Aunque, respeto más el canibalismo (solo en casos particulares, si tienes un naufragio o un accidente en la nieve, y con quienes vas han muerto y no hay comida, pues entonces sí lo respeto), que el nazismo.
Quienes sepan de Pasolini, y su muestra (que no gusto) de la mierda en algunas de sus películas, como "El Decamerón" o "Saló o los 120 días de Sodoma", al oir el título de esta película "Pocilga" y saber que hay nazis, pues lo primero que pensará al relacionar las palabras pocilga y mierda y oir nazis, está claro, nazis = mierda. Chorradas mías, pero tenía que decirlo XDDD.

El reparto de la película fue encabezado, en la historia del caníbal, principalmente por el actor francés Pierre Clémenti (interpretando al caníbal), en una actuación muda, tan solo dice una frase de 12 palabras, que repite algunas veces, y es lo único que dice. Hizo una actuación bastante buena. En esa historia también actuan, aunque más secundariamente Franco Citti (como un segundo caníbal) y Luigi Barbini (interpretando a un soldado que tiene una pelea con el caníbal).
Una historia bastante curiosa (a veces se hace un poco pesada) y extraña, luego comentaré lo que pienso.
En la historia de Julian, la protagonizaron, por un lado 2 actores franceses, Jean-Pierre Léaud (interpreta a Julian) y Anne Wiazemsky (que interpreta a su ¿novia? Ida), y ambos están bastante bien, y por el otro lado la protagonizan Alberto Lionello (como el señor Klotz) y Ugo Tognazzi (como Herdhitze), ambos hacen una muy buena actuación, a pesar de que sus personajes son unos asquerosos. En esta historia también tienen papeles el director Marco Ferreri y Margarita Lozano. También aparece Ninetto Davoli SPOILER en ambas historias FIN DEL SPOILER.
AVISO: Si no habeis visto la película, no leais la siguiente parrafada:

Mi interpretación sobre lo de las 2 historias. Yo creo que la historia del caníbal no es en un pasado al de la historia de Julian, yo creo que es en el mismo tiempo, bueno, concretamente, en mi opinión la historia del caníbal no es real. El caníbal, y todo lo que pasa en esa historia no es más que el interior de Julian, todos sus pensamientos, sentimientos, sensaciones, etc. Los demás personajes de esa historia, el segundo caníbal, etc. son partes del interior de Julian.
Finalmente, los caníbales, son sentenciados, atados y dejados ahi para que mueran, podemos dar una interpretación que los que les atan y dejan morir son los cerdos que se comen finalmente a Julian. En esta parte de la historia del caníbal, aparece el personaje de Ninetto Davoli, con cara de lástima, y en la historia de Julian, uno de los que ve como se lo comen los cerdos es él. Podemos suponer con esto que cuando Maracchione (Ninetto Davoli) ve como dejan a los caníbales, es cuando ve a los cerdos comerse a Julian.
Otra de mis interpretaciones. La historia de los caníbales, en realidad es la historia de los cerdos de la pocilga. Son caníbales, comen carne humana, y los cerdos finalmente se comen a Julian, es decir que también comen carne humana. Otra cosa, que esto dudo muchísimo que quiera decir eso, pero me ha pasado por la cabeza y lo tengo que decir. En una escena, el señor Klotz brinda con Herdhitze, Herdhitze diciendo "A la salud de los judíos" y Klotz contesta "A la salud de los cerdos". ¿Quiere esto decir que los cerdos que se comen a Julian, y los caníbales, representan a los judíos? No lo creo. Como he dicho dudo que esto pasara por la cabeza de Pasolini, pero por la mía pasan muchas cosas XDDD. Pero lo que me hace dudarlo, Herdhitze, a falta de esqueletos en su clase de cirugía (o de lo que era, que no me acuerdo), pidió más esqueletos, por lo que mandaron judíos a la cámara de gas y le mandaron los esqueletos. Finalmente, cuando los campesinos le cuentan que los cerdos se han comido a Julian, él contesta "Entonces, shhhhh. No digais nada de esto a nadie". ¿Tal vez Herdhitze ha convertido a los judíos en cerdos? y son esos judíos quienes han matado al hijo de su socio. No creo para nada esta versión que mi mente drogada ha creado. Simplemente negocios. No quiere que el señor Klotz ni nadie sepa esto el día de la fusión de su empresa, y seguramente, que nadie sepa que los cerdos se han comido a Julian.

En fin, una buena película, aunque no esté considerada de las mejores de Pasolini, a mi me parece bastante buena.
Mi puntuación: 8.


"Interrogada a fondo nuestra conciencia, hemos decidido devorarte a causa de tu desobediencia".

sábado, 28 de julio de 2007

"Érase una vez en América". El rollo de celuloide mejor gastado en la historia.


Título original: Once Upon A Time In America
Año: 1984.
Nacionalidad: Italia/Estados Unidos.
Director: Sergio Leone.
Productor: Arnon Milchan.
Guión: Leonardo Benvenuti, Piero De Bernardi, Enrico Medioli, Franco Arcalli, Franco Ferrini y Sergio Leone.
Música: Ennio Morricone.
Reparto: Robert De Niro (Noodles), James Woods (Max), Elizabeth McGovern (Deborah), Joe Pesci (Frankie), Burt Young (Joe), Tuesday Weld (Carol), Treat Williams (Jimmy O´Donnell), Danny Aiello (Policía Jefe Aiello), Richard Bright (Chicken Joe), James Hayden (Patsy), William Forsythe (Cockeye), Darlanne Fluegel (Eve), Larry Rapp (Fat Moe), Richard Foronji (Whitey), Robert Harper (Sharkey), Dutch Miller (Van Linden) y Gerard Murphy (Crowning).


David Aaronson "Noodles", un pobre chaval judío, conoce en los suburbios de Manhattan de principio del siglo XX a Max, otro joven de origen hebreo dispuesto a llegar lejos por cualquier método. Entablan una gran amistad y forman, con otros colegas, una banda que prospera rápidamente. Llegando a convertirse, en tiempos de la prohibición, en unos importantes mafiosos.

Ni "El Padrino" ni pollas, esta es la buena. La mejor película de gángsters jamás filmada, y, posiblemente, la mejor película de la historia del cine. Puede que no la mejor, pero, supongamos, una lista con las 10 mejores películas de la historia, esta estaría entre las 5 primeras, sin ninguna duda.
Ignorada por algunos, les aburre a otros, y nos asombramos el 90%, cada vez que ponemos esta película. Lo que tiene de larga duración (220 minutos), lo tiene de obra maestra. Las casi 4 horas que dura se pasan volando, aunque algunos pobres diablos digan que es una película lentísima.
No puedo explicar con palabras lo que siento por esta película, solo puedo decir que es lo mejor que he visto. Una grandísima historia, un reparto de lujo (Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGovern, Joe Pesci, Danny Aiello, Jennifer Connelly, James Russo, etc.), la fabulosa y melancólica banda sonora creada por Ennio Morricone (su mejor trabajo y en mi opinión, y de otros muchos, la mejor banda sonora de la historia), y más de 3 horas y media de entretenimiento y de demostración de realización de obra maestra. ¿Qué más se puede pedir?

Sergio Leone leyó la novela "The Hoods" y se enamoró de la historia. Tardo más de 10 años en poder basar la novela al cine. El guión finalmente fue escrito por 6 personas: Leonardo Benvenuti, Piero De Bernardi, Enrico Medioli, Franco Arcalli, Franco Ferrini y Sergio Leone. Y realmente, como ya he dicho, hicieron un pedazo de trabajo que no se puede comparar con ningún otro.
Todo está desarrollado perfectamente, la historia, los saltos de un tiempo a otro, unos personajes buenísimos, y con un final sorprendente.
Una de las cosas que más me gusta para este film de gángsters, es que más que centrarse en sus trabajos (a pesar de que sus trabajos tienen su violencia), se centra en la amistad de los personajes, algo que creo que no he visto en ningún otro film de este género. Esa es una de las razones por las que prefiero esta antes que a "El Padrino". Aunque "El Padrino" se centra también en la familia, no consigue hacerlo con ese sentimentalismo tan genial con el que lo hace esta película.

El reparto es realmente bueno. Robert De Niro y James Woods realmente lo bordan. 2 interpretaciones por las que ambos están entre mis actores favoritos.
Del reparto también cabe destacar a Elizabeth McGovern, Tuesday Weld, James Hayden, William Forsythe, Jennifer Conelly, los chicos que interpretan a los protagonistas de niños, y, a actores que aunque sus papeles no son demasiado extensos merecen ser nombrados: Darlanne Fluegel, Joe Pesci, Burt Young, Danny Aiello, Treat Williams, James Russo y el gángster del principio, que no se que actor es.
Por ahí aparecen también Mario Brega (actor de películas de Leone como "Por un puñado de dólares", "La muerte tenía un precio" y "El bueno, el feo y el malo"), aunque apenas sale 5 segundos y Francesca Leone (hija de Sergio).

La música, como ya he dicho, en mi opinión es la mejor de Ennio Morricone, y la mejor de la historia. No se puede comparar la música de otros grandes compositores como John Williams, Maurice Jarre, John DuPrez, Jerry Goldsmith, Hans Zimmer, con la de esta película. Ni siquiera otra música de Morricone puede ser comparada con la que hizo para esta película. Realmente maravillosa.

Escenas que destacaría de esta película (Insensatos que no habeis visto la película, no lo leais XDDD), que son muchas, son estas:

Las escenas en las que suena ese teléfono 25 veces (creo recordar que eran), acaba poniendo nervioso, y mi interpretación sobre el sonido del teléfono, es que esa llamada mató a sus amigos, y seguirá en su mente durante toda su vida, taladrándole la cabeza, igual que al espectador que no comprende por qué suena.
La escena en la estación del tren, con ese Yesterday de los Beatles de fondo.
El reencuentro de Noodles y Fat Moe, hablando sobre que han hecho durante esos 35 años.
La escena donde están los chavales de jóvenes donde las taquillas, cuando se van y el pequeño Dominic vuelve para asegurarse que la taquilla está bien cerrada.
La escena de cuando van en el coche, y el desacuerdo de Noodles de tener jefes.
La escena de cuando hacen el cambio de cuna a los bebés.
La escena en la playa.
La violación de Deborah, algo desagradable de ver, pero que simboliza que Noodles pierde a Deborah para siempre.
El reencuentro de Noodles y Deborah. En la que vemos que, los buenos amigos, a pesar de que les hayas jodido bien, si tienen que ayudarte, lo harán.
El reencuentro de Noodles y Carol.
La escena de cuando vemos al Señor Bailey y vemos quien es realmente.
La escena de Noodles y el Señor Bailey.
En fin, como he dicho, la mejor película que he visto, y que los que no la hayais visto os recomiendo que la veais lo antes posible.
Mi puntuación: 10.

"Teorema"


Título original: Teorema.
Año: 1968.
Nacionalidad: Italia.
Director: Pier Paolo Pasolini.
Productores: Franco Rossellini y Manolo Bolognini.
Música: Ennio Morricone.
Reparto: Silvana Mangano (Lucia, la madre), Terence Stamp (El visitante), Massimo Girotti (Paolo, el padre), Anne Wiazemsky (Odetta, la hija), Laura Betti (Emilia, la sirvienta), Andrés José Cruz Soublette (Pietro, el hijo), Ninetto Davoli (Angelino, el mensajero), Carlo De Mejo (Un chico), Adele Cambria (Emilia, la segunda sirvienta), Luigi Barbini (Chico en la estación), Giovanni Ivan Scratuglia, Alfonso Gatto (Médico), Cesare Garboli (Entrevistador. No acreditado) y Susanna Pasolini (Anciana agradable. No acreditada).


A un familia de buena posición económica, llega un extraño visitante. Con su potente atractivo físico y carisma personal, les va seduciendo uno por uno: a la doncella, al hijo, a la hija, a la madre y, finalmente, al padre. Pocos días después de haber caído en sus redes, el visitante se va y la familia se queda descolocada, sin saber como continuar con sus existencias. A partir de ese momento, se intentará encontrar una respuesta al enigmático origen del seductor. Incluso se plantean si podría ser el mismo Dios.

El guión de la película lo hizo Pasolini, basado en la novela del mismo nombre, escrita por él mismo. Una cinta realmente extraña; la primera mitad dentro de lo que cabe es normal, pero también extraña, pero la segunda mitad es una cosa rarísima (no son las mismas paranoias que las de David Lynch, pero a mi me resulta más difícil de comprenderlo). La película no tiene muchos diálogos (943 palabras son el total de palabras dichas en la película), en ella lo que tiene el poder son las miradas, los gestos, las expresiones...
Aunque en algunos momentos, la película se hace algo lenta, es una de las películas que uno debería ver obligatoriamente.

La película está principalmente protagonizada por Silvana Mangano (que trabajó con Pasolini en "Edipo Rey") y Terence Stamp (en el papel del visitante). Ambos están muy bien en sus papeles. El resto de actores del reparto están también muy bien, especialmente Laura Betti (que interpreta a Emilia, la sirvienta), que ganó el Premio a la Mejor Actriz en el Festival de Venecia.
En el reparto también aparecen Ninetto Davoli (interpretando a Angelino, el mensajero, curiosamente en "Edipo Rey" interpretó a un mensajero llamado Angelo, este con más importancia en la historia), Luigi Barbini (Santiago en "El Evangelio según San Mateo" y un argonauta en "Medea"), aunque apenas sale 10 segundos y Susanna Pasolini (madre de Pier Paolo).


La música la realizó Ennio Morricone, aunque tampoco es de sus mejores composiciones, pero es destacable, especialmente la música de los créditos, y otra más, que ahora mismo no me acuerdo en que parte sonaba. También suena la Misa de Requiem, de Wolfgang Amadeus Mozart.

En fin, una película que, aunque a mi no es de las que más me haya gustado de Pasolini, como he dicho antes, es de visionado obligatorio.

Mi puntuación: 8,5.


"La Burguesía nunca logrará convertir a todos los hombres en burgueses".

viernes, 27 de julio de 2007

"Edipo Rey"

Título original: Edipo Re.
Segundo título español: Edipo, el hijo de la fortuna.
Año: 1967.
Nacionalidad: Italia.
Director: Pier Paolo Pasolini.
Productor: Alfredo Bini.
Reparto: Silvana Mangano (Giocasta), Franco Citti (Edipo), Alida Valli (Merope), Carmelo Bene (Creonte), Julian Beck (Tiresia), Luciano Bartoli (Laio), Francesco Leonetti (Siervo de Laio), Ahmed Belhachmi (Polibo), Giovanni Ivan Scratuglia (Sacerdote), Giandomenico Davoli (Pastor de Polibo), Ninetto Davoli (Angelo), Pier Paolo Pasolini (Alto Sacerdote. No acreditado) y Laura Betti (Criada de Giocasta. No acreditada).


Los años 20. En una familia burguesa de Lombardía, nace un niño, Edipo. Celoso del amor que el niño recibe de su madre, su padre, un militar de alto rango, lo abandona. Ya adulto, Edipo, ignorando su verdadera identidad, asesina a su padre y se enamora de su madre sin saber quién es. Inspirada en la tragedia de Sófocles, esta película es considerada por su director como su obra más autobiográfica.



El guión de esta película fue escrito por Pier Paolo Pasolini, de nuevo. Está basado en la tragedia clásica de Sófocles, y Pasolini la consideró como su película más autobiográfica.
Es la primera película que Pasolini hizo sobre un libro de la mitología clásica. Después seguiría "Medea" y la trilogía de la vida (que no son mitos clásicos, pero si son obras clásicas).
El guión está bastante bien desarrollado, y hace que la historia no decaiga en ningún momento, y el interés continue presente.
El detalle de las 2 épocas es realmente muy interesante (en mi opinión, yo creo que Pasolini hizo esto, ya que como es su película más autobiográfica, pues que la época del nacimiento de Edipo fuera la época del nacimiento de Pasolini).

El reparto fue encabezado por Franco Citti, en el papel de Edipo, que hizo una interpretación muy convincente, por Silvana Mangano (mujer del productor Dino De Laurentiis), en el papel de Giocasta, que también hizo una actuación bastante buena. También aparecen Ninetto Davoli, en el papel de Angelo el mensajero, Laura Betti en un papel muy pequeño (que aparecería en 2 películas más de Pasolini y doblaría a un personaje de otra) y el propio Pasolini interpretando a un sacerdote que llega a Tebe para pedirle a Edipo explicaciones sobre la desgracia de su pueblo.

Escenas que destacaría (Recomiendo no leerlas si no habeis visto la película):

La de cuando Edipo, en su camino se cruza con el carro de Laio, mata a sus soldados y a Laio.
La de Tiresia, rebelándole su verdad a Edipo.
Cuando Edipo se autolesiona para quedarse ciego, algo desagradable, pero creíble.
El final, de Edipo y Angelo paseando por la ciudad de los años 20.

En fin, una buena película, que si te gusta Pasolini debes ver, más en particular por ser su película más personal.
Mi puntuación: 7,5.


"La vida acaba en el mismo sitio en el que empezó".


Stanley Kubrick



He aquí la vida y filmografía de mi director favorito, el gran Stanley Kubrick.


Vida

Nació en un barrio del Bronx de Nueva York, el 26 de julio de 1928, en el seno de una familia de clase media-alta. Desde muy joven mostró su interés por la fotografía, que practicaba con una cámara Gaflex, regalo de sus padres. Otras aficiones eran la música en general, el jazz en particular (llegó a tocar la batería en la Taft Swing Band) y el ajedrez.

Estos tres pasatiempos serían fundamentales para su futura carrera como director. Su afición a la fotografía le permitió, en primer lugar, trabajar para la revista "Look", donde hizo brillantes reportajes fotográficos a las más importantes estrellas del momento, y donde se labró una gran reputación profesional. Su melomanía le permitió a lo largo de toda su carrera poder discutir todos los aspectos relacionados con la banda sonora de sus películas, llegando en ocasiones a prescindir de compositor y escogiendo personalmente piezas de música clásica para sus películas (como en el caso de "2001: Una odisea del espacio", descartando en el último momento la banda sonora original de Alex North). Y su afición al ajedrez quizás pulió el perfeccionismo y la futura frialdad profesional del director. El ajedrez, gracias al cual subsistió durante un inestable período de su vida, sería homenajeado en muchas de sus películas, como "Atraco perfecto" o "2001".


Durante su juventud Kubrick iba frecuentemente al cine Loew's Paradise y al Museo de Arte Moderno de Nueva York. Poco a poco nació en él la idea de abandonar su trabajo en Look y dedicarse a la realización de películas. Cuando Kubrick aún concedía entrevistas, se refería a Max Ophüls y Serguéi Eisenstein como sus dos referencias cinematográficas más influyentes, el primero por su trabajo con la cámara, y el segundo por su técnica de montaje.

"Flying Padre" fue el primero (a través del cual sacó el título de piloto, aunque años más tarde se negara a volar alegando pánico a los aviones), que documenta la vida de un sacerdote que viaja en avioneta de pueblo en pueblo. Le seguiría "Day of the Fight", en 1951 (sobre un trabajo fotográfico hecho por él mismo para "Look" acerca de una pelea de boxeo). El último de sus cortometrajes sería "The Seafarers", su primer trabajo en color.

Tras esto se metería de lleno en la industria del cine. Su primer largometraje es "Fear and Desire" (1953) (del que quedan escasas copias debido al empeño de Kubrick de destruir todo rastro de lo que él consideraba un "error de juventud"), acerca de un pelotón de soldados que lucha en una tierra sin nombre. Tras la realización de la película se separa de su primera esposa, Toba Metz.

Aunque la película tuvo escaso éxito, le permitió financiar su siguiente trabajo, "El beso del asesino" (Killer's Kiss) (1955), una película de suspense sobre un boxeador que conoce a la chica de un mafioso y se enamora de ella. En la película aparece, en el papel de la bailarina, la que sería su segunda esposa, Ruth Sobotka. La película contó con pocos medios, pero la maestría de Kubrick con la fotografía en blanco y negro llamó la atención de James B. Harris, un productor de la NBC.

Kubrick y Harris se asociaron en una productora y de su unión surgió "Atraco perfecto" (The Killing) (1956), su primera obra maestra. Partiendo de una novela de Lionel White, y sobre un guión de Jim Thompson, Kubrick relató la historia del atraco a un hipódromo. La utilización del tiempo cinematográfico hecha por Kubrick (que sería imitada por el cineasta Quentin Tarantino en "Reservoir Dogs") supuso una innovación para la época. En la película aparece mucho del pensamiento kubrickiano: la lucha de un antihéroe en su enfrentamiento con el mundo, y su derrota final.

"Atraco Perfecto" atrajo las miradas de algunos personajes de Hollywood. Entre ellos se encontraba Kirk Douglas, que firmó con Harris-Kubrick un contrato para cinco películas. La primera de ellas sería "Senderos de gloria" (Paths of Glory) (1957), que interpretaría el propio Douglas haciendo el papel del coronel Dax, encargado de defender a sus soldados, acusados de cobardía ante el enemigo, en el marco de la guerra de trincheras de la I Guerra Mundial. Y también sería la primera polémica de Kubrick, aunque no la última. El mensaje antibelicista de la cinta hizo que en Francia, a cuyo ejército pertenecían los protagonistas, estuviera prohibida durante décadas. En "Senderos de gloria", Kubrick muestra su vena más humanista y sentimental, con uno de los finales más emotivos jamás filmados. Sus siguientes películas se volverían más frías, aunque no menos humanistas. El humanismo fue siempre el motor sobre el que se movía el cine de Kubrick, aunque algunos (que confunden humanismo con sentimentalismo) aún lo sigan negando. En el rodaje de la película conocería a Suzanne Christianne, que se convertiría en su tercera y última mujer. Tras Senderos de gloria, Kubrick estuvo trabajando junto a Marlon Brando "El rostro impenetrable" (One-Eyed Jacks) (1961), aunque tras varios meses sería despedido por desavenencias con el actor.


En esta situación lo encontró de nuevo Douglas, que buscaba un director para sustituir a Anthony Mann al frente de "Espartaco" (Spartacus), de 1960. Kubrick aceptó, sabiendo que una película de tan alto presupuesto podía suponer un empujón a su carrera como director. Aunque apenas tuvo oportunidad de intervenir en el guión (como había hecho antes y haría después en todas sus películas), la película es magnífica, y supuso el fin de las listas negras (debido al estratégico interés de Douglas de reducir el sueldo del guionista Dalton Trumbo, a cambio de colocar su nombre real en los créditos). Los rumores dicen que Kubrick fue su propio director de fotografía, aunque el que subió a recoger el Oscar por esta categoría fue Metty. La película ganó otros tres premios de la Academia, y fue un éxito comercial. La carrera de Kubrick estaba definitivamente lanzada.

Kubrick y Harris lograron rescindir el contrato que les unía con Douglas por otras tres películas. Las aspiraciones artísticas y comerciales de Kubrick le llevaron a hacer "Lolita" (1962): fue su siguiente trabajo. Tras arduas negociaciones, convenció a Vladimir Nabokov no sólo para que aceptase vender los derechos de su novela, sino para que fuese él mismo quien adaptase el guión. La película fue un escándalo, con unas consecuencias que ni siquiera Kubrick alcanzaba a imaginar. Todos los párrocos de las iglesias estadounidenses exhortaron a no ver la película, lo que por supuesto únicamente provocó que la cinta fuese un éxito sin precedentes. Narra la historia de Humbert Humbert, un soltero de mediana edad interpretado por James Mason que se enamora de Lolita, una niña de 14 años (interpretada por Sue Lyon, de 16), y que para conseguirla está dispuesto a casarse con la madre de la niña. La película es otra obra maestra, que demuestra el increíble pulso narrativo de Kubrick.

Tras el éxito de "Lolita", Kubrick supo definitivamente que el prestigio que había logrado con "Espartaco" le permitía afrontar proyectos más arriesgados. Se separó de su socio y amigo Harris para producir su nueva película en solitario. Así que, en medio de la guerra fría y de la crisis de los misiles cubanos, Kubrick comenzaría a rodar "Dr. Strangelove o: como aprendí a dejar de preocuparme y querer a la bomba" (Dr. Strangelove or: How I learned to stop worrying and love the bomb), en 1964. El título en español para esta película fue "¿Teléfono rojo? ¡Volamos hacia Moscú!. Aunque en un principio pretendía abordar de forma seria la guerra fría y la posibilidad de un conflicto atómico, a medida que se iba documentando encontraba aspectos cada vez más hilarantes y esperpénticos, de forma que decidió realizar una comedia de humor negro. El actor británico Peter Sellers sería la gran estrella encargada de dar vida a tres personajes de la cinta. El guión de Terry Southern, Peter George y el propio Kubrick está lleno de gags deliciosos, y narra cómo un acceso de locura del general Ripper provoca que varios aviones estadounidenses ataquen suelo ruso con armas nucleares, provocando que se haga realidad la tan temida MAD (Destrucción Mutua Asegurada). La película fue un gran éxito, pero las críticas arreciaron sobre el director por el cuestionamiento que éste hacía al sistema de defensa estadounidense. Kubrick decidió quedarse a vivir en Inglaterra, y no volvería a residir nunca más en Estados Unidos.


En 1968 Kubrick alcanzaría la cumbre de su carrera con "2001: Una odisea del espacio" (2001: A Space Odyssey). La película era un arriesgado intento por dignificar un género decaído, el de la ciencia ficción, que en aquellos momentos se limitaba a poco más que mutantes radiactivos y monstruos del espacio. El resultado final casi supuso la bancarrota del estudio, aunque finalmente recuperaría (y con creces) el dinero confiado a Kubrick. Con unos efectos especiales sin precedentes (ejecutados por Douglas Trumbull), y una confianza ciega en sí mismo, Kubrick realizaría una de las películas más modernas y arriesgadas de la historia del cine, narrando la futura evolución de la raza humana. Semejante proyecto podía haber derivado en una película absurda o pretenciosa, pero en manos de Kubrick alcanzó cotas épicas. La ambiciosa pretensión de Kubrick era realizar un film en el que estuviera concentrada toda la historia de la humanidad, y en realidad es así , ya que la amplitud de temas que se tocan en la cinta (la soledad, la muerte, la evolución, la inmortalidad, la inteligencia artificial...) hacen de la película un motivo continuo de reflexión, y que a la postre no haya envejecido. Sus efectos especiales siguen siendo geniales, y la recreación del viaje espacial sigue siendo una de las más realistas de la historia del cine. El guión fue co-escrito con Arthur C. Clarke, uno de los maestros de la ciencia ficción literaria y autor del relato en el que se basó la película, "El centinela", así como de la versión novelada del guión de "2001". Con esta película Kubrick ganó su único Oscar a título personal (por el diseño de efectos especiales). La película también ganó bastantes premios religiosos. Curiosamente, años antes, Kubrick había escandalizado a los religiosos con Lolita.

Llegaron los años setenta y Kubrick, visionario, entrevió lo que deparaba el cine del momento: realismo y violencia. Así que, sin apearse del todo de la ciencia ficción, adaptó la novela de Anthony Burgess "La naranja mecánica" (A Clockwork Orange) en 1971, película que acabó siendo de culto. La cinta cuenta la historia de Alex, un joven violento cuyas únicas distracciones son la violación, la ultraviolencia y Beethoven. Las violentas imágenes de la película y una desgraciada serie de actos vandálicos que imitaban a la película hicieron que Kubrick presionara a la distribuidora para que retirase la película de los cines británicos. Las amenazas que recibió hicieron que el director se recluyese aún más en su mansión de la campiña cercana a Londres.

Y cuando todos esperaban un tour de force más por parte de Kubrick, éste sorprendió a todos, pero por su regreso al clasicismo. El monumental fracaso de Waterloo hizo que Kubrick no pudiera realizar el proyecto que tenía en mente: una película sobre la vida de Napoleón, en la que pensaba recrear fielmente las batallas más importantes libradas por el dirigente francés. Pero todo el trabajo de preproducción que había hecho le decidió para hacer su siguiente película, que sería "Barry Lyndon": la historia de la ascensión y caída de un muchacho en la Europa del siglo XVIII. La crítica tildó la cinta de aburrida y demasiado clásica, pero fue una de las películas más apreciadas por Kubrick, y en la que probablemente puso más empeño. Los interiores se rodaron exclusivamente con la luz de las velas, gracias a unos objetivos especiales de la casa Carl Zeiss (abertura máxima de f/0,7) que había comprado a la NASA. Pero las críticas, el fracaso comercial y unas supuestas amenazas del IRA hundieron un poco a Kubrick.

Por ello escogió a Stephen King, un autor de éxito, y un género con tirón en aquel momento: el terror. A partir de la novela homónima del escritor estadounidense (que siempre criticó la versión que Kubrick había hecho de su novela, que probablemente superó ampliamente a ésta en cuanto a tensión y ambigüedad). Reescribió el guión junto a Diane Johnson, y el resultado fue "El resplandor" (The Shining) (1980), una película de terror considerada una de las mejores del género.


Tras "El resplandor" Kubrick no sabe bien qué hacer, y tienen que transcurrir siete años hasta que aparezca su siguiente película, "La chaqueta metálica" (Full Metal Jacket), en 1987, que trataría nuevamente sobre la guerra, aunque esta vez la Guerra de Vietnam. Nuevamente Kubrick adivina que el futuro de Hollywood está en películas que analizarán, desde distintas perspectivas, la participación de EE.UU. en Vietnam, aunque su lentitud en rodar hace que películas como "Platoon" (1986) le adelanten en su fecha de estreno. El rodaje fue un auténtico infierno, con un Kubrick que repetía cientos de veces la misma toma, y que reescribía el guión sobre la marcha. Con La chaqueta metálica recuperaría el prestigio como director que hace ganar dinero a su estudio, pero sobre todo se comenzarían a publicar biografías y estudios sobre su cine, convirtiéndolo en un director de culto.

Tras esta película Kubrick comenzó a barajar un par de proyectos. En primer lugar, "Inteligencia Artificial", la historia de un niño robot abandonado por su madre. Kubrick siempre había querido adaptar el relato de Brian Aldiss, pero hasta que no vio "Parque Jurásico" (1993), de su amigo Steven Spielberg, no supo que la tecnología necesaria para su película estaba por fin a su alcance. También estaba interesado en "Aryan Papers", una película sobre dos refugiados judíos durante la persecución nazi. Sin embargo, de nuevo Spielberg se cruzó en su camino con "La lista de Schindler" (1993). La semejanza con su propio proyecto le hizo desistir.

Finalmente Kubrick realizó "Eyes Wide Shut" (1999), basada en la novela "Traumnovelle", de Arthur Schnitzler, película que disecciona la sociedad actual a partir de la psicología de sus personajes, una pareja de neoyorquinos de clase alta que viven aparentemente una feliz vida en común, pero que en sus sueños y fantasías se muestran como son realmente. El pesimista final de la película (nada tradicional, como han dicho algunos críticos) rubrica el final de una dilatada carrera en el tiempo, aunque escasa en el número de películas.


Días más tarde de acabar de montar la película, el 7 de marzo de 1999, Stanley Kubrick moría en su cama de su mansión de Londres de un ataque al corazón. En pocas ocasiones la muerte de un director de cine ha ocupado tantas portadas como lo hizo la de Kubrick.


Filmografía:

Flying Padre (1951)
Day of the Fight (1951)
Fear and Desire (1953)
The Seafarers (1953)
El beso del asesino (Killer's Kiss) (1955)
Atraco perfecto (The Killing) (1956)
Senderos de gloria (Paths of Glory) (1957)
Espartaco (Spartacus) (1960)
Lolita (1962)
¿Teléfono Rojo? ¡Volamos hacia Moscú! (Dr. Strangelove or: How I learned to Stop Worrying and Love the Bomb) (1964)
2001: Una odisea del espacio (2001: A Space Odyssey) (1968)
La naranja mecánica (A Clockwork Orange) (1971)
Barry Lyndon (1975)
El Resplandor (The Shining) (1980)
La chaqueta metálica (Full Metal Jacket) (1987)
Eyes Wide Shut (1999)





"Sois libres de especular acerca del significado filosófico y alegórico de "2001" - Stanley Kubrick