viernes, 31 de agosto de 2007

"Grindhouse: Death Proof": Tarantino y su homenaje a la serie Z


Año: 2007.
Nacionalidad: Estados Unidos.
Director y guionista: Quentin Tarantino.
Productores: Elizabeth Avellan, Robert Rodriguez, Erica Steinberg y Quentin Tarantino.
Reparto: Kurt Russell (Especialista Mike), Rosario Dawson (Abernathy), Vanessa Ferlito (Arlene 'Mariposa'), Jordan Ladd (Shanna), Rose McCowan (Pam), Sydney Tamiia Poitier (Jungle Julia), Tracie Thoms (Kim), Mary Elizabeth Winstead (Lee), Zoe Bell (Zoë), Michael Parks (Ranger de Tejas, Earl McGraw), James Parks (Edgar McGraw), Quentin Tarantino (Warren, el camarero) y Monica Staggs (Lanna Frank).


Especialista Mike es un rebelde malencarado que sólo se siente compelto cuando se encuentra tras el volante de su mastodóntico coche. Juntos, el coche y Mike, se convierten en un arma letal: recorren las carreteras en busca de hermosas mujeres que se convierten en víctimas de su sed de sangre.


Comparando esta con "Planet Terror", he de decir que esta me gustó más. En "Planet Terror" se abusaba demasiado del gore, esta es más normalita y más tragable, no tiene escenas gore.

El guión, escrito por Tarantino, pues como ya he dicho, no es de sus mejores trabajos, pero me ha dejado mejor sabor de boca que "Planet Terror". Conserva cosas típicas en su cine, personajes hablando de sus historias que no tienen que ver con la historia, pero nos envuelven, aunque en esta ocasión menos que en sus otros trabajos. Tarantino siempre será un gran guionista, tanto en la forma de presentar la historia como con los diálogos.
También tiene algunos diálogos con personajes hablando de películas, las cuales la mayoría de la gente no conoce. Cine poco comercial, con 2 cohone XD.

Las escenas de acción con los coches, están estupendamente rodadas. Alucinas con ellas. Realmente muy curradas.


El reparto, está bastante bien, como suele ser habitual en las películas de Tarantino. Kurt Russell, está bastante bien SPOILER aunque me resulta muy gracioso que un personaje tan cabrón como él, cuando le pegan el tiro en el brazo esté medio llorando, y que luego sea él quien huya con miedo de las chicas a las que él quería matar FIN DEL SPOILER. El resto del reparto también están bastante bien, tanto las chicas del primer grupo como las del segundo. A destacar también las actuaciones de Marley Shelton (haciendo el mismo personaje que en "Planet Terror"), Michael Parks (haciendo del ranger Earl McGraw, al igual que en "Abierto hasta el amanecer", "Kill Bill Vol. 1" y "Planet Terror"), y James Parks, haciendo de Edgar McGraw, hijo de Earl y hermano del personaje de Shelton (James Parks es en realidad hijo de Michael Parks, y en esta película hace el mismo personaje que en Kill Bill Vol. 1).


La música, como es habitual en el cine de Tarantino, no es original. Tiene temas muy buenos, de algunos maestros como Ennio Morricone.


Curiosidades para los frikis XD: En esta película son nombradas las "Big Kahuna Burger", que ya aparecían en "Reservoir Dogs", "Pulp Fiction" y "Abierto hasta el amanecer".
Aparecen la marca de cigarrillos Red Apple, que aparecen en "Pulp Fiction", "Four Rooms", "Jackie Brown" (creo), "Kill Bill Vol. 1" y "Planet Terror".
En una máquina de discos, vemos pasar en uno de los discos el tema "Misirlou", el de los créditos principales de "Pulp Fiction".

Mi jodienda: ¿Como Tarantino ha podido caer tan bajo de poner en los agradecimientos a un tipo como Umberto Lenzi?. Umberto Lenzi es autor de películas de muy baja calaña, cine gore, generalmente. Digamos que su cine es puta mierda. Y encima es de los hijos de puta cabrones que mataban animales realmente en las películas, por lo que, me mosquea que Tarantino ponga en los créditos a un desgraciado como Lenzi. Bueno, siendo esta un homenaje a la serie Z, es normal que este tipo esté ahi XD.



En fin, una peli curiosa, que me como ya he dicho, merece más la pena que "Planet Terror".
Mi puntuación: 7,5.

Películas interesantes en la tele estos dias

Ala, aquí abro una nueva sección, para informar sobre algunas películas que pongan en la tele, que puedan resultar interesantes.


Por un lado, tenemos hoy, en la 2, a las 21:50 la película de Bill Condon, "Dioses y monstruos", basada en la vida del director de cine James Whale, autor de películas como "El Doctor Frankenstein", "La novia de Frankenstein", "El hombre invisible", "El caserón de las sombras", etc. En el reparto podemos encontrar a actores de la talla de Brendan Fraser y a Ian McKellen en el papel de Whale. A mí es una película que me gustó bastante, a parte de por ser una buena película, por ser la biografía de un director de los Universal Studios Monsters, concretamente de uno que hizo de las mejores películas del ciclo.



Y mañana, en homenaje a la recién fallecida Emma Penella, podremos ver, también en la 2, a las 22:00, la película de Eloy de la Iglesia, "La estanquera de Vallecas" (la cual, mi amigo "Arkón" no me dejará ver hasta que nos toque en nuestro ciclo Pasolini-de la Iglesia.
Sinopsis: Leandro, un albañil en paro, y su amigo Tocho, un adolescente sin oficio ni beneficio, se introducen en el estanco de Doña Justa para desvalijarla. No han contado con que la estanquera de Vallecas es lo suficientemente brava como para enfrentarse a ellos.




Y mañana en cuatro podreis ver a las 22:00 y 01:05, "Pulp Fiction" y "Jackie Brown" respectivamente.

Pues es todo de momento. Seguiré informando de películas interesantes que hechen.

Hasta entonces...

Hola Manolo

Video musical



Aquí os dejo una de las mejores canciones de este pedazo grupo de Alcobendas, "Nunca", de Sublevados.

Frases de cine.


"El camino del hombre recto, está por todos lados rodeado por las injusticias de los egoistas, y la tiranía de los hombres malos. Bendito sea aquel pastor, que en nombre de la caridad y de la buena voluntad, saque a los débiles del valle de la oscuridad, porque él es el auténtico guardián de su hermano, y el descubridor de los niños perdidos. Y os aseguro que vendré a castigar con gran venganza y furiosa cólera, a aquellos que pretendan envenenar y destruir a mis hermanos. Y tú sabrás que mi nombre es Yahvé, cuando caiga mi venganza sobre tí".

Samuel L. Jackson, "Pulp Fiction".

El cine, el público, y yo.


He aquí un tema del que me interesa bastante hablar, y que tengo que comentar de una vez.
Vivimos en una sociedad donde reina, mayormente, lo malo, para que negarlo. No digo malo en el sentido de malicia y crueldad. Me explico: Si por ejemplo a una persona, le das a elegir entre 2 caminos, siempre escogerá el más fácil, o se dejará guiar por el que escojan los demás. Comprensible. De todos modos, esto no tiene que ver exactamente con lo que quiero decir. Al grano. Vayamos al cine y a la gente que lo ve. Antiguamente, en el cine había pocos recursos, como en la mayoría de cosas. Al haber menos posibilidades de hacer efectos técnicos se curraban más las historias. ¿Ahora que pasa?, hay muchos ordenadores con los que podemos hacer grandes efectos, con los que George Lucas flipará. Eh aquí lo malo. Al haber más posibilidad de efectos, en la mayoría de casos (ya que hay excepciones), no se curran las historias, o salen plastazos, cuya única cosa buena son los efectos, según me han dicho, un ejemplo claro es "Matrix Reloaded" (la cual no he visto). Y si esto es así diriamos, entonces ¿porqué no se curran más las historias?, ahi está el problema, a la mayoría de los que no entienden de cine, que son los que más abundan en las salas y con más frecuencia van, les encanta este tipo de cosas. Al público joven de ahora no le gusta pensar. Una película, al estilo "2001" o de David Lynch les parecería un coñazo, debido a que eres tú quien tiene que construir la historia. A mí, personalmente, me parece millones de veces mejor, el trabajo de Kubrick con "2001" o los trabajos de David Lynch (excluyamos "Dune" y "Una historia verdadera") donde todo es una paranoia, a la cual debes dar tu el significado que tú crees que es. La juventud actual es vaga en ese sentido. Si les gusta pensar en alguna película, es en las que tienes que descubrir quien es el asesino, pero en cuanto salga de la sala, eso ya no será más que un recuerdo pasado, el cual puede que nunca vuelva a recordar. Con el cine de pensar de verdad no. Tras ver la película, no termina todo. Ahi empieza ya tu trabajo. Ahi eres tu quien estarás comiendote el coco intentando buscar teorías y significados a lo que has visto. Estas películas son las que te revitalizan el cerebro XD.
Pasemos ahora a otro tipo de cosas en el cine actual: la comedia y el terror.
La comedia clásica, pongamos de ejemplos a Charlie Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd, Los hermanos Marx, y en la actualidad, Woody Allen, me parecen, evidentemente, muchísimo mejor que las mierdas que hay ahora. El humor de estos es humor inteligente, con sus críticas y sus reflexiones, pero grandes comedias al fin y al cabo. Sin embargo, la mayoría de las comedias de ahora van de lo mismo, humor absurdo, adolescentes medio bobos, etc. Lo típico, unos adolescentes deciden salir de la ciudad y follarse a todo lo que se mueve, y eso triunfa en todos los cines. Realmente, me avergüenzo de ello.
El género de terror: Las películas antiguas de terror, pues también, evidentemente, eran mejor que las actuales. Serían con menos recursos técnicos, pero como he dicho antes, se curraban más las historias. Su fotografía en blanco y negro le daba un aire mucho más misterioso y de tensión. Como olvidar a Lon Chaney en "El jorobado de Notre Dame" o "El fantasma de la ópera", a Bela Lugosi en "Drácula", a Boris Karloff en "El Doctor Frankenstein" y "La novia de Frankenstein", a Lon Chaney Jr. en "El Hombre Lobo" y otros clásicos. Las de ahora, pura mierda. El típico grupo de pringados que llegan a un sitio, hablan del miedo que da el sitio, a la mañana siguiente aparece muerto uno, ellos se asustan mucho, el espectador muy poco, abusos de sobresaltos (que el amigo Luigi tanto odia XD) que no terminan en mas que eso, un susto, escenas de folleteo, y finalmente será una de las chicas la que se salve. Me lo se de memoria. Finalmente, sales de la sala con ganas de ir a la taquilla y decir: "Devolvedme el dinero, y pagadme un plus por haberme cobrado por ver esta puta mierda". Lo siento, pero es así como lo veo.
Luego tenemos a los amigos. Los que, tú, que te gusta el cine, a ellos, que no les gusta, les dices que el cine clásico es mejor que el actual y te dicen "que vaya gusto" (con cariño os lo digo, que luego me querreís pegar XD). No puedo evitar relacionar los terminos cine actual, con cine comercial, con pocas ganas de verlo. Ya que el cine actual, se resume en cine muy comercial, y al ser comercial es lo que le gusta a la gente, y a la mayoría les gusta el cine mierda, por lo que vienen mis pocas ganas de verlo. Sin embargo, cine clásico y de autor, (claro que hay cine actual que también es de autor y bueno, claro, vease "Memento", "Mulholland Drive", etc.) también lo relaciono, ya que ambas cosas son dignas de emitirse en "Qué grande es el cine"

Y ya no me queda más remedio que despedirme diciendo "Se rien de mí porque soy diferente, y yo me río de ellos porque son todos iguales".

Por cierto, la imagen arriba puesta, viene a querer decir que así es como tendría que estar una taquilla donde se emite cine comercial del malo, vacía.

Bueno, y ahora para insultos o pedir cita para una paliza podeis dejar vuestro mensaje XD.

David Lynch dijo:


"Me interesa saber qué se esconde tras las limpias fachadas, tras los visillos de las casas, explorar los recovecos tortuosos de la existencia. Soy como un detective que destapa lo que los demás ocultan. Y es que este mundo de hoy no es un lugar tan maravilloso como dicen. No es el sueño más brillante."

jueves, 30 de agosto de 2007

"Annie Hall"


Año: 1977.
Nacionalidad: Estados Unidos.
Director: Woody Allen.
Productores: Charles H. Joffe y Jack Rollins.
Guionistas: Woody Allen y Marshall Brickman.
Reparto: Woody Allen (Alvy Singer), Diane Keaton (Annie Hall), Tony Roberts (Rob), Carol Kane (Allison), Paul Simon (Tony Lacey), Shelley Duvall (Pam), Janet Margolin (Robin), Christopher Walken (Duane Hall) y Colleen Dewhurst (Madre Hall).


Alvy Singer es un comediante de clubs nocturnos que a los 40 años hace un repaso de su vida tras romper con su última novia, Annie. Cuenta sus amores, sus matrimonios y en especial la relación con ella, a la que conoce tras un partido de tenis. Alvy es un tipo especial, algo neurótico, dominado por una serie de obsesiones que acaban por destruir cada una de sus relaciones.



No he visto yo aún demasiadas películas del señor Woody Allen como para pronunciarme, pero esta tiene pinta de ser una de sus películas más personales. Una película que me ha gustado bastante, con un gran guión, unos muy buenos diálogos, y unas grandes reflexiones por parte de Woody Allen. Realmente este es el tipo de cine que a mi me gusta, en el que el protagonista es una imágen del director (y no lo digo porque en esta el protagonista sea también el director de la peli XD).



El guión, escrito por Woody Allen y Marshall Brickman, me parece bastante bueno, muy bien elaborado, como ya he dicho con unos diálogos muy bien escritos, y con muy buenas reflexiones por parte del personaje de Woody Allen. Un buen pensador el señor Allen, la verdad.
La dirección de Woody Allen también es bastante buena, no se si será de sus mejores trabajos, ya que solo he visto 6 suyas, contando esta, pero bueno, cuando vea las demás, diré.



Los actores están realmente estupendos. Los 2 protagonistas, Woody Allen y Diane Keaton, geniales, secundados por buenas actuaciones como Tony Roberts, Carol Kane, Christopher Walken, etc.



En fin, una peli bastante buena, mucho mejor que la comedia absurda actual, por supuesto. Tendré que verme las demás películas de este hombrecillo XD. Pido perdón por esta crítica poco esmerada, ya que estaba hoy con pocas ganas de escribir XD.
Mi puntuación: 8,5.

miércoles, 29 de agosto de 2007

Pack Ediciones Especiales de Stanley Kubrick


Más enhorabuenas. También los Kubrickianos podemos estar felices. Tras tener las películas de Kubrick en ediciones bastante mierderas, con tan solo el trailer, alguna con alguna cosa más, pero poca cosa, de relleno más bien (las únicas ediciones decentes eran las de "Espartaco" y "¿Teléfono Rojo? ¡Volamos hacia Moscú!"), el 20 de noviembre (atrasado, ya que en un principio era el 9 de octubre, pero con 3 pelis solo) saldrá un pack con las ediciones especiales 2 discos de 5 obras maestras del genio Stanley Kubrick: "2001: Una Odisea del Espacio", "La naranja mecánica", "El Resplandor", "La chaqueta metálica" y "Eyes Wide Shut" (lástima que "Lolita" y "Barry Lyndon" no). Esperemos que los extras estén curradillos. De todos modos, seguiré informando de lo que sepa XD.

Para más información:
http://www.zonadvd.com/modules.php?name=News&file=article&sid=10047
http://www.emol.com/noticias/todas/detalle/detallenoticias.asp?idnoticia=272897&pagrel=2

"Inland Empire" en DVD.


Los Lynchmaniacos estamos de enhorabuena. Según informa www.zonadvd.com, la edición en dvd de "Inland Empire", saldrá para alquiler el 3 de octubre, por lo que, más o menos, saldrá para venta en noviembre.
Eso sí, los extras son un poco dignos de estar en el museo de los horrores.

Para más información http://www.zonadvd.com/modules.php?name=News&file=article&sid=11533

Escena final de "El Gran Dictador"

Aquí os dejo una de las mejores escenas de la historia del cine. La escena final de "El Gran Dictador", donde Charlot deja de ser Charlot para convertirse en Chaplin.
Chaplin sabía que el hablar sería el fin de Charlot, pero al menos se iría diciendo algo en lo que el creía.

Que la disfruteis.



martes, 28 de agosto de 2007

Pier Paolo Pasolini dijo:


"Hay una ideología real e inconsciente que unifica a todos, y que es la ideología del consumo. Uno toma una posición ideológica fascista, otro adopta una posición ideológica antifascista, pero ambos, antes de sus ideologías, tienen un terreno común que es la ideología del consumismo. El consumismo es lo que considero el verdadero y nuevo fascismo. Ahora que puedo hacer una comparación, me he dado cuenta de una cosa que escandalizará a los demás, y que me hubiera escandalizado a mí mismo hace diez años. Que la pobreza no es el peor de los males y ni siquiera la explotación. Es decir, el gran mal del hombre no estriba en la pobreza y la explotación, sino en la pérdida de singularidad humana bajo el imperio del consumismo.Bajo el fascismo se podía ir a la cárcel. Pero hoy, hasta eso es estéril. El fascismo basaba su poder en la iglesia y el ejército, que no son nada comparados con la televisión".

La infancia de Alfred Hitchcock.


A los 5 años, el pequeño Alfred se encuentra tras los barrotes de una celda. Su padre le ha encargado que lleve una carta al comisario y éste le encierra en un calabozo diciéndole: "¡Esto es lo que se les hace a los niños malos!". Este suceso marcará la sensibilidad del cineasta, especialista del suspense, obsesionado por la culpabilidad.

Charlie Chaplin: El nacimiento de Charlot.


Hollywood, abril de 1912. Charlie Chaplin lleva toda la tarde ensayando para mejorar un gag de su próxima película. Está tan entusiasmado con su última idea, que habla deprisa y tartamudea. Reflexiona, interpreta la escena, vuelve a empezar. Estudia cada detalle con precisión. Comprueba si sus gags hacen gracia con los técnicos, que rien a carcajadas. De repente, Chaplin da con lo que buscaba. Se viste entonces con su vieja indumentaria característica: bombín, bigotillo, levita, bastón de caña, y unos zapatos enormes.

Luis Buñuel dijo:


"El cine es un arma maravillosa y peligrosa, si la maneja un espíritu libre. Es el mejor instrumento para expresar el mundo de los sueños, de las emociones, del instinto. Es, entre todos los medios de expresión humana, el que mejor imita el funcionamiento de la mente en estado de sueño. (...) El tiempo y el espacio se hacen flexibles, se encogen y alargan a voluntad; el orden cronológico y los valores relativos de duración no responden ya a la realidad; la acción de un círculo es transcurrir, en unos minutos o en varios siglos. El cine parece haberse inventado para expresar la vida subconsciente."

lunes, 27 de agosto de 2007

Ha muerto Emma Penella (1930-2007)


Esta madrugada, falleció la gran actriz Emma Penella. El cine español ha perdido una gran actriz.

Biografía

Emma Penella nació en Madrid, el 2 de marzo de 1930. Comenzó a trabajar como actriz en los años cincuenta, compaginando su trabajo en algunas funciones de teatro con varias películas en las que fue doblada, como "Los ojos dejan huella", "Carne de horca" o "Los peces rojos". Cómicos, dirigida por Juan Antonio Bardem, constituyó la excepción.En 1963, Luis García Berlanga le brindó la oportunidad de aparecer en "El verdugo", su papel más celebrado. La cinta se proyectó en el Festival de Cine de Venecia y los organizadores ordenaron que la actriz entrara al Lido por la puerta trasera debido a la desaprobación de la comunidad internacional hacia el franquismo. Penella se negó y apareció por la puerta principal del recinto.Por esos años se casó con el productor Emiliano Piedra, lo que le permitió ofrecer papeles a actores sin empleo, como Pilar Bardem. Desde 1969 Emma espació más sus intervenciones. "Fortunata y Jacinta" y "La Regenta" son sus largometrajes más conocidos de esa época.Finalizada la transición española, apareció en varios papeles de reparto bajo las órdenes de Francisco Regueiro y Carlos Saura y protagonizó varias películas de Eloy de la Iglesia, como "La estanquera de Vallecas", convirtiéndose en una actriz fetiche de este director y quedando asociada a un cine de temática transgresora. Durante los años 80 regresó al teatro, en el que desarrolló una intensa actividad. En 1991 falleció su marido, Emiliano Piedra, para quien recogió un Goya Honorífico póstumo en 1992. En 1993 se despidió de las tablas con El enfermo imaginario, de Molière.Cuando disfrutaba de un retiro sólo interrumpido esporádicamente, como por ejemplo con la película "Pídele cuentas al rey", la directora de casting Elena Arnao la visitó en 2003 en su casa para preguntar por su estado de salud. En respuesta, Emma bailó una jota para ella y aceptó un papel en la serie de televisión "Aquí no hay quien viva" (Antena 3), con el que alcanzó de nuevo una gran popularidad interpretando a Concha, una pensionista viuda malhumorada, rácana y cotilla.Al año siguiente dobló al español la película de animación "Los increíbles" (Brad Bird, 2004). José Luis Gil, compañero suyo de reparto en "Aquí no hay quien viva", la animó a poner su voz en otro largometraje de animación, "El sueño de una noche de verano" (2005), junto a otras actrices de la serie como Mariví Bilbao, Isabel Ordaz y Gemma Cuervo.En 2007 comenzó a trabajar en una nueva serie, "La que se avecina" (Telecinco). En ella interpretaba a Doña Charo de la Vega, una pensionista, farmacéutica aficionada, que guarda toda clase de medicamentos y que se muestra descontenta con la nueva vivienda que su yerno Enrique, casado con su hija Araceli, ha adquirido en la urbanización Mirador de Montepinar. Durante los últimos meses de rodaje la salud de la actriz se resintió por lo que la productora decidió darle un descanso utilizando la estrategia habitual en estos casos de "irse de vacaciones al pueblo". Emma Penella falleció el 27 de agosto de 2007, a la edad de 77 años. El óbito se produjo a las 1:07 de la madrugada en su propia casa como ha confirmado su hija mayor Emma Piedra, después de una insuficiencia renal y cardíaca, producida por una septicemia, ocasionada por la diabetes que padecía desde años atrás. La actriz había ingresado el 9 de julio en la clínica madrileña de la Luz para ser operada de la columna vertebral, "pero llevaba un año mal, aunque no lo sabía nadie, sólo nosotras", comentó su hija Emma Piedra, refiriéndose a sus hermanas Lola y Emiliana. Fue enterrada en el Cementerio de la Almudena a las 11 de la mañana del día siguiente, martes 28 de agosto, aniversario de la muerte de su marido.Se esperan grandes y muchos homenajes de sus amigas (tales como Gemma Cuervo y Marivi Bilbao), como de sus hijas, sus seguidores y los medios de comunicación.



Filmografía


Truhanes de honor (1950)

Los ojos dejan huellas (1952)

Barco sin rumbo (1952)

Doña Francisquita (1953)

¡Ché, que loco! (1953)

Carne de horca (1953)

La patrouille des sables (1954)

Aventuras del barbero de Sevilla (1954)

Cómicos (1954)

Tres hombres van a morir (1954)

El guardián del paraiso (1954)

Los peces rojos (1955)

Fedra (1956)

El batallón de las sombras (1957)

Un marido de ida y vuelta (1957)

La guerra empieza en Cuba (1957)

De espaldas a la puerta (1959)

Sentencia contra una mujer (1960)

Un ángel tuvo la culpa (1960)

Scano Boa (1961)

El amor de los amores (1962)

La hora incógnita (1963)

La cuarta ventana (1963)

Alegre juventud (1963)

Carta a una mujer (1963)

El verdugo (1963)

Los brutos en el Oeste (1964)

Duelo en el Amazonas (1964)

La muerte viaja demasiado (1965)

Lola, espejo oscuro (1966)

La busca (1967)

Fortunata y Jacinta (1970)

La primera entrega (1971)

La Regenta (1974)

Estudio 1: "La pechuga de la sardina" (1981) y "Sabor a miel" (1982)

Padre nuestro (1985)

El amor brujo (1986)

Juncal (1987) (Miniserie)

La estanquera de Vallecas (1987)

Cómicos: "Emma Penella" (1987)

Viento de cólera (1988)

Fugaz (1988)

Doblones a ocho (1990)

La huella del crimen 2: El crimen de Don Benito (1990) (TV)

El Quijote de Miguel de Cervantes (1991) (miniserie)

Mar de luna (1995)

Blasco Ibáñez (1997) (TV)

Náufragos (1997)

Créeme, estoy muerto (1998)

Pídele cuentas al rey (1999)

Paraíso (2000) (1 capítulo)

Los novios búlgaros (2003)

Aquí no hay quien viva (2003-2006)

El sueño de una noche de San Juan (2005)

Gala TP de Oro 2004 (2005) (TV)

A tortas con la vida (2005) (1 capítulo)

El show de la 3 (2005) (TV)

La que se avecina (2007) (Primera temporada)



Hasta siempre, Emma Penella.

"Ed Wood". La pasión por crear el cine que te gusta, aunque sea malo.


Año: 1994.
Nacionalidad: Estados Unidos.
Director: Tim Burton.
Productores: Denise Di Novi y Tim Burton.
Guionistas: Scott Alexander y Larry Karaszewski.
Música: Howard Shore.
Reparto: Johnny Depp (Ed Wood), Martin Landau (Bela Lugosi), Sarah Jessica Parker (Dolores Fuller), Patricia Arquette (Kathy O´Hara), Jeffrey Jones (Criswell), G.D. Spradlin (Reverendo Lemon), Vincent D´Onofrio (Orson Welles), Lisa Marie (Vampira), Bill Murray (Bunny Breckinridge), Mike Starr (Georgie Weiss), Max Casella (Paul Marco), Brent Hinkley (Conrad Brooks), Juliet Landau (Loretta King) y George "The Animal" Steele (Tor Johnson).


Ayer me vi, la película que a mí más me gusta de Tim Burton, aunque la mejor es "Eduardo Manostijeras" pero teniendo en cuenta el rollo cine clásico, con lo de las clásicas de terror de la Universal, pues me siento más dentro de este mundo, por lo que me gusta más esta.


Ed Wood, considerado ’el peor director de la historia del cine’, fue un hombre decidido a conquistar Hollywood. Wood, aficionado a vestirse de mujer y con muy escasas oportunidades de ser elegido para dirigir películas en un gran estudio, persigue con tenacidad este sueño y, aunque el reconocimiento y el respeto no llegan, nunca abandona la esperanza de conseguir ser un director famoso.



El guión, escrito por Scott Alexander y Larry Karaszewski, es genial. De lo mejorcito que ha habido en el cine biográfico.
La dirección de Tim Burton es realmente buena. A pesar de que es un film biográfico, sigue teniendo el toque misterioso de sus películas, como también tenían su toque misterioso las de Ed Wood, y teniendo algunas escenas, en las que está claro que es Burton quién está detrás de la cámara.


El reparto es estupendo. Johnny Depp está genial en el papel del genial Ed Wood, e inexplicablemente, no fue nominado, aunque estaba claro que ese año el Oscar a mejor actor era para Tom Hanks (aunque, ese año, yo lo habría dado todo por "Pulp Fiction", y lo habría perdido). Martin Landau, el que tiene la mejor actuación de la película, como el grandísimo Bela Lugosi. Un Lugosi ya bastante anciano, y retirado (por culpa de esta sociedad, como dicen en la película "este negocio, esta ciudad, te usan y más tarde te tiran"). Landau hace una interpretación digna del Oscar que merecidamente se ganó. El resto de actores también están muy bien, Sarah Jessica Parker, Patricia Arquette, Jeffrey Jones, Bill Murray, el realmente luchador George "The Animal" Steele como otro luchador, Tor Johnson, y también la hija de Landau, Juliet Landau, como Loretta King, protagonista de "Bride of the Monster"...
También en la película aparecen algunos de los actores reales de Wood, como Conrad Brooks (colaborador junto al recientemente fallecido Paul Marco) y Gregory Walcott, protagonista de "Plan 9 from Outer Space".
Respecto al otro Oscar ganado, el de mejor maquillaje, realmente lo tenía muy merecido también. Para matar a los de los Oscar si no lo ganan.


La banda sonora, compuesta por Howard Shore (creo que es la única película de Tim Burton en la que la música no corre a cargo de Danny Elfman) me encanta. Incluye también algunos temas de películas de Wood con algunas modificaciones, como el de "Glen or Glenda", o el tema del lago de los cisnes, de Tchaikowsky, tema de los créditos de algunos de los clásicos de la Universal, como "Drácula" de Lugosi, "Drácula" de Carlos Villarías", "Doble asesinato en la calle Morgue" y "La momia" de Boris Karloff.

Algunos errores, errores o falta de mostramiento, es que, por ejemplo SPOILER en el entierro de Lugosi, solo están Ed Wood y sus demás amigos, cuando Lugosi tenía también un hijo, y llevaba apenas un año casado con su cuarta mujer. Concretamente, lo de que fue en el testamento de Lugosi donde dice que quería ser enterrado con la capa, no es así. En realidad fue cosa de su tercera mujer, y el hijo que tenían entre ella y Lugosi, quienes decidieron que enterrarle con la capa era lo justo FIN DEL SPOILER.


Hablaré ahora de mi relación con el señor Wood. Tras ver esta película, descubrí en la fnac (en la época del vhs), que vendían 6 de sus películas, más una en la que escribió la escena final del guión tan solo, por lo que las fui comprando. Realmente, aunque se ve el bajo presupuesto, no me terminaron de disgustar, realmente he de reconocer que me gustan. "Glen or Glenda", realmente hay que verla con buena intención, e intentando comprender a Wood, si no dirás "puta mierda de película". Realmente es lo bonito también del cine, ver una pelì intentando comprender al director, si no te importa lo que quiera mostrar el director pues ¿para que ves este tipo de cine? jajajajaja. "Jail Bait" realmente, a pesar del bajo presupuesto, es una cinta bastante curiosa y entretenida, tal vez la que menos defraudará al público de la época. Las 3 de su trilogía de... lo que sea, tampoco me disgustaron ("Bride of the Monster", "Plan 9 from Outer Space" y "Night of the Ghouls"), eso si, la última es algo cutre, aunque tiene su encanto. Las otras 2 eran "The Sinister Urge", esta algo más pesada y "Married Too Young", dirigida por George Moskov, y protagonizada por Harold Lloyd Jr., hijo del gran Harold Lloyd.


Destacaría de escenas:

La escena en que se conocen Ed Wood y Bela Lugosi.
La escena en que le acompaña a entrar Wood a Lugosi en su casa tras conocerse.
La escena de Halloween.
La escena de Ed y Kathy en el parque de atracciones.
La escena en la Iglesia, con el équipo de "Plan 9".
La gran escena en que Ed conoce a Orson Welles (esta escena no ocurrió realmente).
La escena desde el estreno de "Plan 9" hasta el THE END.



En fin, una película que, por muy fan de Tim Burton que seas, si no eres cinéfilo, no es tampoco muy recomendable este film, te puede gustar, pero se disfruta más siendo cinéfilo. También estarán los capulletes que dirán, "película en blanco y negro, no la veo, eso es una cutrada", a los que dicen eso, yo les digo "Jódete", pero en plan colega, que conste XDDD.
Bueno, pues yo como fan de Tim Burton, como fan de los clásicos de terror de la Universal, como fan de Ed Wood, y como cinéfilo enfermizo, le doy de puntuación un merecido 9.

Y me despido con la frase que Orson Welles (interpretado por Vincent D´Onofrio) le dice a Wood, y que es una de las frases del cine de la que más ejemplo tomo:
"Merece la pena luchar por los propios sueños, ¿por qué pasarse la vida realizando los sueños de otro?"

"Tobi".



Año: 1978.
Nacionalidad: España.
Director: Antonio Mercero.
Guión: Antonio Mercero y Horacio Valcárcel.
Reparto: Lolo García (Tobi), María Casanova (María), Francisco Vidal (Jacinto), Silvia Tortosa (Marga), José Lifante (Socio de Marga), Andrés Mejuto (Doctor Burman), Norma Aleandro (Profesora) y Antonio Ferrandis (Doctor Juldain).


Este viernes me vi esta maravillosa película, que de haberla grabado mis hermanos allá en los 80, habría sido otra de las películas de mi infancia, al lado de "La guerra de papá" (también de Mercero y Lolo García).


Tobi, es un niño normal del Madrid de los 70, hijo de una ama de casa, y de un padre trabajador de una fábrica y miembro de comisiones obreras. Un día, a Tobi le salen unos bultos en la espalda, por lo que sus padres le llevan al hospital. Los 2 bultos se convierten misteriosamente en 2 alas.


El guión fue escrito por los 2 habituales en las películas y series de Antonio Mercero: el propio Mercero y José Ángel Rodero. Un guión bastante curioso y, porque no decirlo, extraño. Pero yo creo que, está bien escrito, con sus toques dramáticos y sus cuantos toques de humor.


Del reparto cabe destacar a Lolo García, en su segunda película con Mercero (que grande que era este chaval), y a otra tanda de actores conocidos, unos más que otros, María Casanova, Francisco Vidal, Andrés Mejuto (que interpretaría 4 años después al doctor Frankenstein, en el maravilloso film de Antonio Mercero también "Buenas noches señor monstruo", comentado unas cuantas películas más atrás), al gran Antonio Ferrandis (el entrañable Chanquete, también a las órdenes de Mercero), a Pepe Ruiz (apareció en 2 capítulos de "Verano azul" y, ahora es más conocido por su papel de Avelino, el marido de ¡¡¡¡PEPA!!!!, en las "Matrimoniadas", creadas por los sobrinos de José Luis Moreno), que me parece un grandísimo actor, que en esta película tiene un papel con el que te ries un rato, Fabián Conde la "mariquita mala", como le calificaría Carla Antonelli, y a Lorenzo Robledo (el policía Floro en "Verano azul", el guía del museo en "Buenas noches señor monstruo").


La música, compuesta por un tío del cual ahora no recuerdo el nombre, es también bastante buena. Muy acertada en sus momentos cómicos, como en sus momentos dramáticos.


Escenas que destacaría NO LEER SI NO HAS VISTO LA PELI, vamos, que no las leereis nadie XDDDD

La escena de cuando descubren los padres en el centro médico las alas.
La escena en el colegio, realmente, sabemos que algo malo va a pasar.
La escena de cuando Tobi mea por la ventana y, cuando viene el poli a casa, le coge el casco y caga dentro de él.
La escena de los maniquies, con el gran Pepe Ruiz.
La escena del borracho, interpretado por Lorenzo Robledo.
La emotiva escena final en el parque de atracciones. Cuando vuelva a ir y vea el árbol grande (antigua cafetería, ahora mero adorno del parque), recordaré "ahí es donde voló Tobi", a lo que mis amigos para hacer la gracia dirán "¿quién coño es Tobi?" XDDDD


En fin, una película que es bastante curiosa, y que por lo menos a mí, no me ha defraudado. Recomiendo de todos modos ver antes "La guerra de papá", de Mercero, con Lolo García.
Mi puntuación: 7.

domingo, 26 de agosto de 2007

"La Soga".


Título original: Rope.
Año: 1948.
Nacionalidad: Estados Unidos.
Director: Alfred Hitchcock.
Productores: Sidney Bernstein y Alfred Hitchcock (No acreditados).
Guionistas: Arthur Laurents y Hume Cronyn (Adaptación).
Basado en la novela de: Patrick Hamilton.
Música: David Buttolph (No acreditado).
Reparto: James Stewart (Rupert Cadell), John Dall (Brandon), Farley Granger (Phillip), Cedric Hardwicke (Señor Kentley), Constance Collier (Señora Atwater), Douglas Dick (Kenneth), Edith Evanson (Señora Wilson), Dick Hogan (David Kentley) y Joan Chandler (Janet).


Una pareja de brillantes estudiantes universitarios, Brandon y Phillip, asesinan a un compañero de clase llamado David, solo para demostrar que el crimen perfecto puede llevarse a cabo si el mismo es realizado por gente de alta valía intelectual.
Esa misma noche ofrecen una fiesta en su apartamento, al que estan invitados el mejor amigo de David, Kenneth, la novia de David, Janet, los padres de David, y un ex profesor de Brandon, Phillip, David y Kenneth, llamado Rupert Cadell.


La película, aunque está basada en una novela, también está inspirada en el asesinato cometido por Leopold y Loeb en la vida real.
El guión, perfectamente desarollado, estilo obra de teatro, es genial. De lo mejorcito que se ha visto en el cine.
La dirección de Hitchcock es estupenda. Aunque muchos dicen que se trata de uno de sus peores trabajos, para mí es de los mejores.
Rodada prácticamente sin cortes de cámara, grabaciones de 10 minutos, la carga máxima de película que la cámara podía llevar, por eso vemos planos que finalizan en, por ejemplo, la espalda de un actor. Realmente tenemos algunos cambios de plano, unos 4, más o menos. Lo cierto es que cada bloque tuvo que rodarse más de 15 veces, de allí salían todos, cada día, agotados. Cuando se les comunicó que tenían que repetir una parte dada por buena, porque a Hitchcock no le gustó como se había iluminado el fondo que representa la ciudad, casi les da un mal.
Ese fondo de la ciudad, pasando de la tarde a la noche, es realmente bueno.


Los actores están geniales, especialmente los 2 protagonistas, John Dall y Farley Granger, porque, como ocurre tantas veces, el protagonista no es la superestrella que figura el primero (James Stewart) XDDD.
El resto de actores también están muy bien, Stewart, Sir Cedric Hardwicke, etc.
Dick Hogan, el actor que interpreta a David, el chico asesinado, aparece practicamente unos 30 segundos, la del asesinato, había participado antes en 38 películas, sin contar esta. Esta fue su última película; uy uy uy, un error de cálculos con la cuerda... XDDD.


En fin, una película estupenda, que no se puede dejar de ver.
Mi puntuación: 8,5.

martes, 21 de agosto de 2007

"The Game". ¿Qué regalarías a un hombre que lo tiene todo?


Año: 1997.
Nacionalidad: Estados Unidos.
Director: David Fincher.
Productores: Ceán Chaffin y Steve Golin.
Guionistas: John D. Brancato y Michael Ferris.
Música: Howard Shore.
Reparto: Michael Douglas (Nicholas Van Orton), Sean Penn (Conrad Van Orton), Deborah Kara Unger (Christine), James Rebhorn (Jim Feingold), Peter Donat (Samuel Sutherland), Carroll Baker (Ilsa), Anna Katarina (Elizabeth) y Armin Mueller-Stahl (Anson Baer).


Hoy me he visto esta película que me habían prestado, y que tenía aun sin ver, y ya iba tocando que la viera.


Nicholas Van Orton es un perspicaz e influyente hombre de negocios acostumbrado a controlar absolutamente todas las facetas de su existencia. Sin embargo, su perfecta vida sufre un dramático cambio cuando su hermano Conrad le hace un original regalo de cumpleaños que pronto tendrá consecuencias devastadoras. Se trata del acceso de una misteriosa y nueva forma de entretenimiento en la que todo puede perderse y con una sola regla: no hay reglas.
Cuando Van Orton se da cuenta de en que consiste el juego, ha llegado demasiado lejos y ya es muy tarde para retroceder.
"Preparado a medida para cada participante. Piensa en ello como en unas fantásticas vacaciones, excepto que tú no vas a buscarlo, el viene a tí...".
No hay reglas en THE GAME.

El guión fue escrito por John D. Brancato y Michael Ferris (guionistas de "Terminator 3" y "Catwoman", cine comercial, vamos). El guión me parece que está bastante bien, muy acertado, que bueno, en parte es un tipo de cine algo típico, pero se va convirtiendo un poco en paranoia, por lo que me gusta XD. El desarrollo de la historia está bastante acertado y el final me ha gustado también bastante, aunque con una escena demasiado típica, que rara es la peli que no la tiene pero bueno.

El reparto está bastante bien. Michael Douglas se lo curra bastante, y Sean Penn, aunque tiene un papel secundario, está tambien muy bien, como acostumbra.
El resto del reparto, destacando a Deborah Kara Unger, es muy correcto.

La música de Howard Shore no es para Oscar, pero bueno, está presentable.

En fin, una película que me ha gustado bastante, y que a quien le gusten los thrillers, esta le gustará.
Mi puntuación: 7,5.

domingo, 19 de agosto de 2007

"Tarantula". Tantos años, por fin eres mía.


Cuando hoy caminaba por El Corte Inglés (que haría yo en un sitio para una clase más alta que la mía... XDDD), y de repente me he fijado en una estantería y he visto la película "Tarantula" casi me da un infarto.
Una de esas típicas películas, que crees que hasta el propio estudio ha perdido, que las únicas versiones que encuentras en el emule son en V.O. sin subtitulos, un clásico de terror y ciencia ficción de serie B, dirigida por Jack Arnold, el que metió el último monstruo en el ciclo de los Universal Studios Monsters (no fue con esta, sino con "La mujer y el monstruo", esta no fue de Universal Studios Monsters), y que, encima, fue una de las primeras películas (la cuarta, concretamente), de mi segundo actor favorito y uno de mis directores favoritos, Clint Eastwood, el cual tiene un papel muy pequeño (algo más pequeño que el que tuvo en "Revenge of the creature", su primera película, dirigida por Jack Arnold también), en el que apenas se le ve la cara, y es encima al final de la peli.
No me espero tampoco gran cosa de ella, salvo que me haga disfrutar y me entretenga como solo pueden hacer este tipo de películas, que serán de serie B, pero con más ganas de hacer cine que las de terror actuales.

David Lynch


Biografía

David Keith Lynch (Missoula, Montana, Estados Unidos 20 de enero de 1946) es un director de cine estadounidense. Su actividad artística se extiende asimismo al terreno de la pintura, la música, la fotografía e incluso el diseño mobiliario.

Su amor por el surrealismo queda demostrado en sus inquietantes películas, cuya total comprensión en su mayoría requiere un gran esfuerzo intelectual por parte del espectador. Como ejemplo de ello podemos citar Eraserhead y la serie de televisión Twin Peaks (serie). Posteriormente realizó algunas producciones más accesibles como The Straight Story, aunque manteniendo su firma personal. En la actualidad, algunos de sus proyectos cinematográficos y de animación son sólo accesibles a través de su página Web de pago, DavidLynch.com.

Sus películas tienden a describir pequeñas comunidades de los Estados Unidos, como es el caso de "Twin Peaks" o "Terciopelo azul". Lynch siente también predilección por los secretos ocultos de los barrios periféricos de Los Ángeles, retratados en "Carretera perdida" y "Mulholland Drive". El sonido en sus películas es de gran importancia y por ello cada banda sonora es trabajada con esmero. El responsable de conseguir que ese sonido nos resulte tan especial es el compositor Angelo Badalamenti, colaborador habitual del director, creador entre otras de la fascinante banda sonora de la serie de televisión "Twin Peaks" o de la inquietante y perturbadora "Carretera perdida". Reconocido admirador de Jacques Tati, Ingmar Bergman o Werner Herzog, Lynch ha conseguido destacarse como uno de los pocos directores actuales con un estilo personal y constituye un referente ineludible en el cine contemporáneo. Su nuevo film, que le ocupó varios años de rodaje, usando exclusivamente técnicas digitales, se titula "INLAND EMPIRE" (en mayúsculas) y su estreno se produjo en 2006.


Niñez y juventud

Lynch podría considerarse el arquetipo del muchacho americano de clase media. Su padre, Donald, fue un científico adscrito al Ministerio de Agricultura norteamericano, y su madre, Sunny, era profesora de lengua. La familia vivió en distintos lugares, entre el noroeste del país y Carolina del Norte. Lynch fue boy scout y a los 15 años participó como acomodador en la toma de posesión del presidente John F. Kennedy.

Pronto experimentó impulsos artísticos y asistió al Corcoran School of Art en Washington, D.C. mientras terminaba sus estudios secundarios en Alexandria, Virginia. Después se apuntó al School of the Museum of Fine Arts de Boston durante un año, antes de partir rumbo a Europa en compañía de su amigo y colega artístico Jack Fisk. Sus planes eran estudiar con el pintor del expresionismo austriaco Oskar Kokoschka (quien resultaría uno de sus principales referentes artísticos) durante tres años. Sin embargo, Lynch regresó a los Estados Unidos al cabo de sólo 15 días.


Philadelphia y sus primeros largometrajes

En 1966, Lynch se instala en la ciudad Philadelphia, Pennsylvania, asistiendo al Pennsylvania Academy of Fine Arts (PAFA). Allí se dedicó en principio a la confección de complejos mosaicos a base de figuras geométricas, a los que él llamó Industrial Symphonies. Por aquel tiempo, tuvo sus primeros devaneos cinematográficos. Su primer corto recibió el título de Six Men Getting Sick ("Seis hombres enfermos, o enfermando") (1966). Él lo describió como "57 segundos de desarrollo y pasión, y tres segundos de vómito". Con esta pieza ganó el certamen anual de la Academia. Este pequeño éxito le permitió abordar su segundo cortometraje: The Alphabet.

A partir de 1970, Lynch se centró exclusivamente en el arte cinematográfico. Consiguió un premio de 5.000 dólares del American Film Institute por The Grandmother, ("La abuela") sobre un pobre chico de la calle que se las ingenia para conseguir una abuela a partir de una semilla. Esta película de 30 minutos de duración muestra ya muchos de los patrones característicos en su cine de madurez, incluyendo un sonido perturbador y envolvente y una potente imaginería enfocada a los deseos y al inconsciente reprimido, todo ello lejos de los métodos tradicionales de narrar.


"Cabeza borradora"

En 1971, Lynch se trasladó a Los Angeles para asistir a las clases del American Film Institute Conservatory. Fue allí donde empezó a trabajar en su primer largometraje, "Cabeza borradora" (Eraserhead), aprovechando una ayuda de 10.000 dólares concedida por dicha institución. Este dinero no alcanzó para terminar el film y por este motivo la película no se remataría hasta el año 1977. Lynch tuvo que pedir dinero a amigos y familiares, incluyendo a su amigo de la infancia Jack Fisk, diseñador de producción y marido de la actriz Sissy Spacek, e incluso se dedicó a vender periódicos para financiarla.

"Cabeza borradora", una de las películas más sombrías y enigmáticas de la historia del cine, plena de guiños surrealistas y elementos desasosegantes, fue muy apropiadamente rodada en blanco y negro. Cuenta la historia de un joven tranquilo (papel que incorpora el inefable Jack Nance) que vive en una especie de erial industrial y cuya novia da a luz a una rara bestezuela que no para de gemir. Lynch se refiere a la película como “mi historia de Philadelphia”, aludiendo al hecho de que refleja muy bien todas las crudas experiencias que vivió en esa ciudad en su etapa de estudiante, las cuales le marcaron profundamente.

Sobre la película, la crítica ha afirmado que sugiere o intenta sugerir los miedos y ansiedades del propio cineasta acerca de la paternidad, personificados en el grotesco aspecto del bebé, que se ha convertido en uno de los iconos del cine fantástico de todas las épocas. El director ha rehuido en más de una ocasión explicar cómo fue elaborada la criatura, pero la leyenda cuenta que fue construida a partir de un feto de vaca embalsamado.

Debido a sus extravagantes contenidos, al principio se pensó que "Cabeza borradora" no podría ser exhibida comercialmente, sin embargo, gracias al esfuerzo del distribuidor Ben Barenholtz, se convirtió pronto en un clásico, típico en salas especializadas en proyecciones de medianoche, fuera de las grandes audiencias. La crítica la alabó inmediatamente como obra maestra, lo que colocó al director a la cabeza de la vanguardia cinematográfica. El gran director Stanley Kubrick afirmó con admiración que era una de sus películas favoritas en la historia del cine. El éxito provocó que el equipo de actores y técnicos (entre ellos el cámara Frederick Elmes, el técnico de sonido Alan Splet, y el actor Jack Nance) siguieran trabajando con Lynch en años posteriores.


"El hombre elefante" y "Dune"

"Cabeza borradora2 atrajó la atención del productor Mel Brooks, quien contrató a Lynch para dirigir la película de 1980 "El hombre elefante" (The Elephant Man), un biopic sobre la figura de Joseph Merrick (John Merrick en la película), un hombre con malformaciones de clase baja. Esta película, rodada igualmente en blanco y negro, fue un gran éxito comercial y obtuvo ocho nominaciones a los Oscars, incluyendo el de mejor director y mejor guión adaptado para Lynch. Del mismo modo demostró la viabilidad comercial de sus propuestas.


Posteriormente, el cineasta aceptó dirigir una superproducción que adaptaba la novela de ciencia-ficción "Dune", del escritor Frank Herbert, para el productor italiano Dino De Laurentiis, con la condición de que la productora se comprometiera a financiar un segundo proyecto sobre el cual Lynch mantendría control creativo total (algo parecido ocurrió ya con Stanley Kubrick cuando le contrataron para hacer "Espartaco". Ni a Kubrick le gustó "Espartaco", ni a Lynch le gustó "Dune". Ninguno de los 2 tuvo el control que quería sobre la película). Aunque el productor esperaba que "Dune" (1984) supondría algo así como la nueva Guerra de las galaxias, la película resultó un gran fiasco comercial, siendo además vapuleada por la crítica. Se calculó que ingresaría 45 millones de dólares que al final se quedaron en sólo 27,4. Para compensar pérdidas, el estudio elaboró una versión alargada para la televisión que desvirtuaba el montaje del director y que Lynch desautorizó inmediatamente, y que además prefirió figurar con el pseudónimo de Judas Booth, por las malas críticas.


"Terciopelo azul"

La segunda película de Lynch producida por De Laurentiis fue "Terciopelo azul" (Blue Velvet, 1986), la historia de un joven universitario (representado por el actor que protagonizara "Dune", Kyle MacLachlan) que descubre el lado oscuro de una pequeña ciudad, al investigar la procedencia de una oreja cortada que había encontrado casualmente en el transcurso de un paseo campestre. La película muestra actuaciones memorables de Isabella Rossellini, en el papel de una cantante atormentada, y de Dennis Hopper en el de un criminal psicópata, líder de una banda de matones de medio pelo.

"Terciopelo azul" obtuvo un gran éxito de crítica y proporcionó a Lynch su segunda nominación al Óscar al mejor director. La película presenta algunos lugares comunes en su cine: una cuidadísima puesta en escena, ciertos episodios y conductas inexplicables, mujeres ultrajadas, los malsanos entresijos de una pequeña comunidad, y la utilización poco convencional de canciones antiguas. “Blue Velvet”, de Bobby Vinton e “In dreams” de Roy Orbison suenan en este film extrañas y perturbadoras. Esta fue la primera ocasión en que Lynch trabajaba con el compositor Angelo Badalamenti, quien contribuiría en todas sus películas posteriores.

El director Woody Allen, cuya cinta "Hannah y sus hermanas" fue nominada como mejor película, afirmó que "Terciopelo azul" era el mejor filme del año. La película, que es comúnmente considerada como una de las obras maestras del cine contemporáneo, ha llegado a convertirse en un icono de la cultura popular.


"Twin Peaks", "Corazón salvaje", "Industrial Symphonies", "American Chronicles" y "Hotel Room"

Al no obtener financiación para posteriores guiones, a finales de los 80 Lynch optó por colaborar con el productor televisivo Mark Frost en la serie televisiva "Twin Peaks", acerca de una pequeña localidad de Washington donde ocurren extraños sucesos. La historia se centraba en las investigaciones realizadas por el agente especial del FBI Dale Cooper (de nuevo Kyle MacLachlan) en torno a la muerte de una conocida estudiante de secundaria llamada Laura Palmer, una investigación que iba revelando los escabrosos secretos de muchos ciudadanos aparentemente respetables. El cineasta dirigió seis episodios en total, incluyendo los dos primeros, y escribió o co-escribió algunos más, e incluso apareció como actor en algunos de ellos.

La serie se estrenó en la cadena ABC Network el 8 de abril de 1990 y poco a poco fue revelándose como todo un fenómeno cultural. Ningún otro proyecto de Lynch ha obtenido semejante aceptación. La serie fue vendida a infinidad de países, y algunos de sus latiguillos ingresaron en la cultura popular. Se hicieron parodias de la misma en el show "Saturday Night Live" y en la serie de caricaturas "Los Simpsons". Lynch apareció en la portada de la revista Time en gran medida debido al gran éxito cosechado con "Twin Peaks". El director interpretó el papel del vociferante y medio sordo jefe del agente Cooper, Gordon Cole.

Pese a todo, Lynch chocó con los responsables de la cadena por distintos motivos, SPOILER en especial por la posibilidad de revelar o no la identidad del asesino de Laura Palmer. La cadena insistía en desenmascararlo ya en la segunda temporada, pero Lynch quería guardarlo en secreto hasta el final FIN DEL SPOILER. Lynch pronto se desencantó de la serie y como resultado muchos miembros del reparto declararon sentirse “abandonados”.

Fue en aquel tiempo cuando Lynch empezó a colaborar con la editora, productora y su compañera en la vida real, Mary Sweeney, que había trabajado como asistente para él en "Terciopelo azul". Esta colaboración se prolongaría a lo largo de once proyectos. De su relación nació un hijo.


Su siguiente largometraje fue una adaptación de la novela de Barry Gifford, "Corazón salvaje" (Wild at Heart, 1990), (rodado realmente a la vez que la primera temporada de "Twin Peaks"), una alucinante, sensual y atropellada “road movie” protagonizada por los actores Nicolas Cage y Laura Dern. La producción obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1990, pero no contó con la aprobación de la crítica ni el respaldo del gran público. Se dice que algunos espectadores abandonaban la sala en las exhibiciones de prueba.

El eslabón perdido entre "Twin Peaks" y "Corazón salvaje", es el espectáculo musical "Industrial Symphony No. 1: The Dream of the Broken Hearted", una nueva colaboración con Angelo Badalamenti en la que canta Julee Cruise y actúan varios actores de Twin Peaks, así como Nicolas Cage y Laura Dern. Lynch confesó que la obra reflejaba de alguna forma una relación sentimental rota. El director produjo en 1990 un video de 50 minutos sobre la obra.

"Twin Peaks" acabó sufriendo serios reveses de audiencia y fue retirada en 1991. Mientras tanto Lynch escribió una protosecuela sobre los últimos siete días en la vida del personaje de Laura Palmer, que dio lugar al largometraje "Twin Peaks: Fuego camina conmigo" (Twin Peaks: Fire Walk with Me, 1992), un desastre de taquilla que acarreó al director las peores críticas de su carrera.

Durante este periodo Lynch volvió a colaborar con Mark Frost en la serie de humor "On the Air" para la ABC, sobre los orígenes de la televisión. En EE.UU. sólo se emitieron tres episodios. Esta colaboración se prolongó en la serie documental American Chronicles.

Su siguiente proyecto fue una miniserie de escasa importancia para la cadena HBO titulada "Hotel Room", la cual narraba los acontecimientos que se enmarcaban en una misma habitación de hotel a lo largo de varias décadas.


"Carretera perdida" y "Una historia verdadera"

En 1997 Lynch volvió a la palestra con el complejo film de argumento no lineal "Carretera perdida" (Lost Highway) el cual poseía muchos elementos de cine negro. Fue co-escrito con Barry Gifford y protagonizado por los actores Bill Pullman y Patricia Arquette. La película fracasó comercialmente, pero recibió críticas contrapuestas. No obstante, gracias en parte a la banda sonora en que aparecían cantantes y grupos como Marilyn Manson, Rammstein, Nine Inch Nails y The Smashing Pumpkins, Lynch obtuvo una nueva audiencia por parte de espectadores de la llamada Generación X.


En 1999, sorprendió muy positivamente a sus fans y a la crítica con una película producida por la factoría Disney: "Una historia verdadera" (The Straight Story) (en inglés es un juego de palabras, ya que el protagonista se llama Alvin Straight. Puede entenderse como "La historia verdadera" y "La historia de Straight) que era, al menos aparentemente, una sencilla película sin pretensión alguna contando una historia real acerca de un hombre de pueblo (incorporado por el viejo actor Richard Farnsworth) que emprende un largo viaje de estado en estado, a bordo de un cortacésped, con el único fin de hacer las paces con su hermano enfermo. La película recibió muy buenas críticas y proporcionó a su autor nuevas audiencias.


"Mulholland Drive", "Dumb Land", "Rabbits" y "Darkened Room"

Ese mismo año Lynch tentó una vez más a la cadena ABC con la idea de un drama para la televisión. La cadena dio el visto bueno y se grabó el episodio piloto, de dos horas de duración. Pero controversias sobre el contenido y la duración de la serie la aparcaron definitivamente.

Con la aportación de 7 millones de dólares por parte de la productora francesa Studio Canal, el director convirtió ese episodio piloto en un largometraje. "Mulholland Drive" es una historia extraña que trata de ahondar en la vertiente oscura de Hollywood, la “fábrica de sueños”. Está protagonizada por Naomi Watts, Laura Harring y el actor Justin Theroux. En lo comercial, la película funcionó relativamente bien en todo el mundo, mereciendo además reseñas positivas, lo que supuso a su director el premio al mejor director en el Festival de Cannes del año 2001 (este premio lo compartió con Joel Coen por "El hombre que nunca estuvo allí") y otro premio al mejor director otorgado por la New York Film Critics Association.

En 2002, Lynch desarrolló una serie de cortos para Internet titulada "Dumb Land". Los ochos episodios de que constaba, intencionadamente muy duros de contenido e interpretación, aparecieron posteriormente en formato DVD.

Lynch dedicó a sus incondicionales ese mismo año una comedia de situación a través de su página web. La serie se tituló "Rabbits" ("Conejos") y constó de ocho episodios plenos de surrealismo que se desarrollaban en un cuarto habitado por extrañas personas con cabeza de roedor. Posteriormente, el director rodó en vídeo digital el corto "Darkened Room", a imitación del exitoso cine de terror japonés de los últimos años.


"INLAND EMPIRE"

En el Festival de Cannes correspondiente a 2005, el cineasta anunció que durante un año había estado rodando en Polonia, por medio de técnicas digitales, su último film. La película, titulada "INLAND EMPIRE" (en mayúsculas) supone casi un compendio del cine de este director audaz e inquietante desde sus comienzos. La historia, retorcida y con tintes pesadillescos, desarrolla distintos niveles argumentales entremezclados, sin aclarar nunca los nexos lógicos entre ellos. Abunda en primeros planos expresionistas (especialmente de la atribulada Laura Dern), el sonido es distorsionado y envolvente, y los efectos especiales unidos a las numerosas escenas cómico-grotescas que contiene producen un gran impacto visual. El reparto de la película incluye actores habituales de Lynch como la ya mencionada Laura Dern, Harry Dean Stanton, y el protagonista de Mulholland Drive Justin Theroux, con un cameo de Naomi Watts (supuestamente uno de los actores disfrazados de conejos en la serie del mismo nombre), además de la actuación estelar del británico Jeremy Irons. Lynch describió la película como "un misterio acerca de una mujer metida en grandes dificultades”. Se estrenó en diciembre de 2006, habiendo suscitado hasta el momento entre los críticos, como en ocasión de los más recientes largometrajes del director, grandes discrepancias y opiniones enfrentadas.


Galardones

Lynch ha ganado dos veces el Premio César francés a la mejor película extranjera, y en 2002 fue presidente del jurado del Festival de Cannes, donde había ganado la Palma de Oro en 1990. En 2002 fue asimismo galardonado por el gobierno francés con la Legión de Honor. El 6 de septiembre de 2006 recibió el León de Oro en el Festival de Venecia por sus contribuciones al Séptimo Arte. En este mismo festival presentó su último film, "INLAND EMPIRE".

Ha recibido cuatro nominaciones a los Oscars: Mejor director por "El hombre elefante" (1980), "Terciopelo azul" (1986) y "Mulholland Drive" (2001), y mejor guión adaptado por "El hombre elefante" (1980).


Colaboradores habituales

Lynch emplea a menudo a los mismos actores y al mismo equipo técnico y artístico en sus producciones:

* 12 Producciones:

Angelo Badalamenti: música de "Terciopelo azul", "Industrial Symphony No.1", "Corazón salvaje", "Twin Peaks", "Twin Peaks: Fuego camina conmigo", "On the Air", "Hotel Room", "Carretera perdida", "Una historia verdadera", "Mulholland Drive", "Rabbits" y "Darkened Room", e hizo un papel secundario en "Terciopelo azul", "On the Air" y "Mulholland Drive".

* 10 Producciones:

Mary Sweeney, su habitual editora y productora. Escribió el guión de "Una historia verdadera". Trabajó igualmente en: "Terciopelo azul" (1986), "Corazón salvaje" (1990), "Twin Peaks" serie de TV, "Twin Peaks: Fuego camina conmigo" (1992), "Hotel Room", serie de TV (1993), "Carretera perdida" (1997), "Mulholland Drive" (2001), "INLAND EMPIRE" (2006) y co-produjo "Nadja" (1994) con Lynch.

* 7 Producciones:

Jack Nance: en "Cabeza borradora", "Dune", "Terciopelo azul", "The Cowboy and the Frenchman", "Twin Peaks", "Corazón salvaje" y "Carretera perdida".

* 6 Produciones:

Harry Dean Stanton: "The Cowboy and the Frenchman", "Corazón salvaje", "Twin Peaks: Fuego camina conmigo", "Hotel Room", "Una historia verdadera" e "INLAND EMPIRE".

* 5 Producciones:

Scott Coffey: "Corazón salvaje", "Carretera perdida", "Mulholland Drive", "Rabbits" e "INLAND EMPIRE".

Freddie Jones: "El hombre elefante", "Dune", "Corazón salvaje", "Hotel Room" y "On the Air".

* 4 Producciones:

Michael J. Anderson: "Twin Peaks", "Industrial Symphony No. 1", "Twin Peaks: Fuego camina conmigo" y "Mulholland Drive".

Laura Dern: "Terciopelo azul", "Corazón salvaje", "Industrial Symphony No. 1" e "INLAND EMPIRE".

Bellina Logan: "Corazón salvaje" (escenas eliminadas), "Twin Peaks", "On the air" e "INLAND EMPIRE".

Kyle MacLachlan: "Dune", "Terciopelo azul", "Twin Peaks" y "Twin Peaks: Fuego camina conmigo".

Grace Zabriskie: "Twin Peaks", "Corazón salvaje", "Twin Peaks: Fuego camina conmigo" e "INLAND EMPIRE".

* 3 Producciones:

Frances Bay: "Terciopelo azul", "Twin Peaks" y "Wild at Heart".

Catherine E. Coulson: "The Amputee", "Twin Peaks" y "Twin Peaks: Fuego camina conmigo".

Miguel Ferrer: Twin Peaks, "Twin Peaks: Fuego camina conmigo" y "On the Air".

Laura Harring: "Mulholland Drive", "Rabbits" e "INLAND EMPIRE".

Sheryl Lee: "Twin Peaks", "Corazón salvaje" y "Twin Peaks: Fuego camina conmigo".

Everett McGill: "Dune", "Twin Peaks" y "Una historia verdadera".

Frank Silva: "Twin Peaks" y "Twin Peaks: Fuego camina conmigo", y trabajó como encargado de vestuario en "Corazón salvaje"

Charlotte Stewart: "Cabeza borradora", "Twin Peaks" y "Twin Peaks: Fuego camina conmigo".

Naomi Watts: "Mulholland Drive", "Rabbits" e "INLAND EMPIRE".

Alicia Witt: "Dune", "Twin Peaks" y "Hotel Room".

* 2 Producciones:

Jeanne Bates: "Cabeza borradora y "Mulholland Drive".

Nicolas Cage: "Corazón salvaje" e "Industrial Symphony No. 1".

Brad Dourif: "Dune" y "Terciopelo azul".

Sherilyn Fenn: "Twin Peaks" y "Corazón salvaje".

Crispin Glover: "Corazón salvaje" y "Hotel Room".

Diane Ladd: "Corazón salvaje" e "INLAND EMPIRE".

Dean Stockwell: "Dune" y "Terciopelo azul".

Justin Theroux: "Mulholland Drive" e "INLAND EMPIRE".

Además, Mädchen Amick, Dana Ashbrook, Phoebe Augustine, Eric DaRe, Heather Graham, Gary Hershberger, Peggy Lipton, James Marshall, Walter Olkewicz, Al Strobel, Lenny Von Dohlen y Ray Wise aparecen en "Twin Peaks" y "Twin Peaks: Fuego camina conmigo".


Músicos que han aparecido en sus films: Sting en "Dune", Chris Isaak en "Twin Peaks: Fuego camina conmigo", David Bowie en "Twin Peaks: Fuego camina conmigo", Julee Cruise en "Twin Peaks" y "Twin Peaks: Fuego camina conmigo", John Lurie en "Corazón salvaje", Marilyn Manson, Twiggy Ramirez y Henry Rollins en "Carretera perdida" y Billy Ray Cyrus en "Mullholland Drive".


El propio Lynch se reservó pequeños papeles en "The Amputee", "Dune", "Twin Peaks" y "Twin Peaks: Fuego camina conmigo". También hizo cameos de voz en "INLAND EMPIRE" y "Nadja", y aparecía en una escena suprimida de "Carretera perdida".


Influencias

Lynch ha declarado a menudo admirar profundamente a los cineastas Stanley Kubrick y Federico Fellini, al escritor Franz Kafka y al pintor Francis Bacon. Sostiene que muchas de las películas de Kubrick se encuentran entre sus preferidas, y que las obras de Kafka y Bacon lo subyugan por su fuerza visual y su conmovedora sensibilidad. Igualmente ha citado al pintor expresionista austriaco Oskar Kokoschka como fuente de inspiración. Lynch se siente desde siempre hechizado por la película The Wizard of Oz ("El mago de Oz") y a menudo ha hecho clara referencia a la misma en cintas como "Corazón salvaje".

Una influencia temprana en él fue el libro "The Art Spirit" del artista y profesor norteamericano Robert Henri, del cual afirmó que le ayudó a decidir el curso que tomaría su trabajo plástico. Como Henri, Lynch se trasladó del campo a un entorno urbano para desarrollar su carrera artística. Henri era un pintor realista urbano, que adoptaba la vida en la ciudad como materia principal de su trabajo, lo que imitó Lynch en sus orígenes. Y si la obra de Henri sirvió de puente entre la Norteamérica agrícola del siglo XIX y la urbana del XX, las cintas de Lynch entremezclan la nostalgia feliz de los años 50 con la extrañeza existencial de los 80 y 90.

Tienen gran peso sobre su obra igualmente los cineastas Luis Buñuel, Werner Herzog y Roman Polanski, alguno de los cuales ha reconocido también al propio Lynch como referente.

En lo personal, Lynch ha mantenido relaciones sentimentales con la actriz Isabella Rossellini (a raíz del rodaje de Terciopelo azul), y ha estado casado tres veces: con Peggy Lentz (1967-1974; una hija, Jennifer Chambers Lynch, 1968, ahora directora cinematográfica). Con Mary Fisk (1977-1987) (un hijo, nacido en 1982, Austin Jack Lynch). Y con la editora y productora de sus películas Mary Sweeney (2006; un hijo nacido en 1992, Riley Lynch).


Filmografía

Six Figures Getting Sick (cortometraje) (1966)
The Alphabet (cortometraje) (1968)
The Grandmother (cortometraje) (1970)
The Amputee (cortometraje) (1974)
Cabeza borradora (Eraserhead) (1977)
El hombre elefante (The Elephant Man) (1980)
Dune (1984)
Terciopelo azul (Blue velvet) (1986)
The Cowboy and the Frenchman (1988)
Industrial Symphony No. 1: The Dream of the Broken Hearted (1990) (TV)
Corazón salvaje (Wild at heart) (1990)
American Chronicles (serie de televisión) (1990)
Twin Peaks (serie de televisión) (1990-1991)
Twin Peaks (película europea) (1990)
Twin Peaks: Fuego camina conmigo (1992)
On the air (serie de televisión) (1992)
Hotel Room (serie de televisión) (1993)
Lumière y compañía (segmento "Premonition Following an Evil Deed") (1995)
Carretera perdida (Lost Highway) (1997)
Una historia verdadera (The Straight Story) (1999)
Mulholland Drive (2001)
Rabbits (serie de internet) (2002)
Dumbland (2002)
Darkened Room (2002)
The Short Films of David Lynch (2002)
Rammstein: Lichtspielhaus (2003) (V)
Inland Empire (2006)
Boat (2007) (V)


Lynch, sigue rayándonos el coco, haciéndonos pensar y flipar a la vez, durante muchos años.

VIVA EL SURREALISMO.